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J'ai perdu mon corps
C’est l’histoire de deux solitudes : celle d’une main, oui, une main coupée, se promenant toute seule sur ses doigts ; et celle de Naoufel, enfant puis adolescent, entre famille perdue et futur très incertain. Si la figure de Naoufel, par sa malchance quelquefois un peu forcée, embrasse la société des perdants, des faibles, des maltraités par la société — et ne peut que nous faire penser au Rémi d’Hector Malot en version contemporaine —, les aventures de la main qui s’échappe d’un laboratoire médical constituent certainement l’élément d’intérêt et d’originalité qui marque la dramaturgie autrement trop mélodramatique de J’ai perdu mon corps. La construction de l’entrelacs entre les deux histoires se fait avec lenteur, par un montage convaincant (car) assez ouvert.
Les films d’animation nous ont habitués à jouir de la liberté d’espace et mouvement, ici bien exploitée par Jérémy Clain dans le périple improbable de la main, contrairement au parcours plus réaliste de Naoufel. Mais c’est la liberté de mouvement dans le temps qui marque le récit filmique de J’ai perdu mon corps : nous nous retrouvons souvent à perdre plutôt les coordonnées temporelles, entre les flash-back — ou flash-forward ? — de Naoufel enfant/adolescent et une main qui se révélera plongée dans un futur destiné à se souder au présent de la partie finale du film. Dans ce puzzle temporel bien intrigant, c’est l’identité de la personne et de son caractère qui émerge avec encore plus de décision. Naoufel est fidèle à lui-même, à son corps ; l’histoire de ses malchances et de ses hésitations ne fait que mettre à l’épreuve et donc souligner l’intégrité de son âme, qui est également celle de son corps.
Ce n’est pas seulement par la beauté souvent romantique des dessins que J’ai perdu mon corps explore le registre de la sensualité. La main et sa perspective inhabituelle en sont aussi un vecteur, mais moins que le choix de cadrer les scènes depuis des points de vue improbables, avec une préférence pour les détails et donc pour la profondeur de l’image. Une si belle saga esthétique et une architecture cinématographique si importante ne feront alors que nous laisser un peu déçus face à la maigre qualité de l’histoire racontée, tachée de misérabilisme et soutenue par une histoire d’amour un peu conventionnelle.
J’ai perdu mon corps | Film | Jérémy Clapin | FR 2019 | 82’ | Zurich Film Festival 2019
Ville Neuve
Oui et non : ce sont les options référendaires que les Québécois ont vécues en 1980 et en 1995 pour se séparer ou non du Canada. Deux dates qui marquent deux générations, celle de Joseph et Emma, en couple puis séparés, et d’Ulysse, leur fils qui retrouve les mêmes agitations politiques que ses parents, le même engagement. Et oui et non, c’est également l’alternative à laquelle sont confrontés Joseph et Emma quant à la question de leur réunion ; l’un, le plus ambitieux des deux mais également le plus défaitiste, la souhaite ; l’autre s’y essaye puis s’y accroche. Mais Ville Neuve — le village à la mer où Joseph se retire pour chercher un nouveau début — est un film qui se tient tout en deçà de ces options, et plutôt explore les plis infinis qui, sous la pression de la vie vécue, se multiplient entre le oui et le non. C’est un film d’animation dessiné en noir et blanc où nous pouvons découvrir les mille tonalités de gris, les mille formes des ombres, les reflets, c’est un film de nuances.
Et un film de parole. Le récit, quelquefois relié à l’action, est surtout structuré autour des moments de méditation, voire des stances poétiques qui rythment les évolutions des âmes, entre regret et espoir, souvenirs et tentatives. Il s’agit d’un voyage qui se déploie tout à l’intérieur des protagonistes du film, dont il faut louer la solidité – elle n’était pas donnée, avec une ligne narrative si radicalement intimiste.
La souffrance est liée aux échecs du passé, et le drame de Ville Neuve est tout dans la difficulté de se libérer du poids du passé, le côté sombre de la maturité. Voilà, peut-être, la raison pour laquelle Félix Dufour-Laperrière insiste sur l’eau, thématisée par la mer et son ouverture, mais aussi véhicule d’un principe de liquidité qui connote les contours des relations, et cela à travers la liquidité des formes : l’encre sur papier des dessins mais surtout la fluidité dans la dynamique de l’animation. Insistance également sur la nuit, si présente, si sombre, dans laquelle la scène plusieurs fois évoquée de la montée de la cloche dans le film Andrej Rublëv d’Andreï Tarkovski (1966) fait figure de phare.
Ville neuve est un film qui met en scène le drame de la stagnation des âmes et des relations, lesquelles peuvent trouver, justement à travers et en traversant les marées de l’hésitation, la beauté du début, nouveau début ou début tout court. Car, au fond, l’hésitation elle-même est un début de beauté.
Ville Neuve | Film | Animation | Félix Dufour-Laperrière | CAN 2018 | 76’ | Cinéma Bellevaux Lausanne
La fameuse invasion des ours en Sicile
Il film di animazione La famosa invasione degli orsi in Sicilia è rivolto ad un pubblico di ogni età. Infatti si basa sulla favola omonima di Dino Buzzati (1945) che sa catturare l'attenzione di grandi e piccoli, perché dotata di diversi livelli di lettura: una semplice fiaba che nasconde interpretazioni a livello sociale, politico, filosofico, molto attuali.
Non c'è un vero lieto fine: gli orsi affamati e in cerca del figlio del loro re, Leonzio, lasciano le montagne per scendere a valle, dove abitano gli uomini, ma sono respinti da loro con pregiudizio e ostilità, pur essendo innocui. Con apertura e resilienza gli orsi riescono a cavarsela e a trovare stratagemmi per sopravvivere, fino a riuscire a regnare pacificamente insieme agli uomini. L'equilibrio non dura, perché vizi e difetti degli uomini intaccano alcuni orsi, che alla fine decidono di ritornare ai monti.
L'illustratore Lorenzo Mattotti, sceneggiatore e regista del film, rimane piuttosto fedele all'omonima opera letteraria, realizzando una coproduzione italo-francese, che è un piacere per gli occhi, spumeggiante per l'inventiva, per la costante sincronizzazione del suono al movimento come nelle animazioni Disney dei primordi, per la rappresentazione di paesaggi, luoghi, oggetti, dettagli, tanto fantasiosi quanto ricchi di cromatismi, di riferimenti alla cultura siciliana e dell'Europa meridionale più in generale. Accentuano il lavoro di radicamento spazio-temporale le musiche originali di René Aubry, che utilizza anche strumenti del folclore siciliano per le sue composizioni, e le voci dei personaggi, affidate – nella versione italiana – a Andrea Camilleri (il vecchio orso), Antonio Albanese (Gedeone), Toni Servillo (Leonzio), Corrado Guzzanti (Salnitro).
La cura delle immagini, disegnate una per una con grande lavoro da un'équipe di professionisti (i movimenti dei personaggi animati sono stati costruiti a partire dall'osservazione di quelli degli attori scelti) ha realizzato quasi un piccolo capolavoro nel suo genere. Peccato che il regista abbia assecondato troppo spesso la dimensione spettacolare offerta dall'intreccio, lasciando spazio a scene di combattimenti, inseguimenti e mostri spaventosi di varia natura, di cui l'immaginario delle anime è purtroppo già pieno, e senza le quali il film non avrebbe affatto perso in innovazione e capacità affabulatoria.
La fameuse invasion des ours en Sicile | Film | Lorenzo Mattotti | FR-IT 2019 | 81’ | Fantoche Baden 2019
Screenings in Swiss cinema theatres
Away
At the presentation of the film at the Fantoche International Animation Film Festival in Baden, we discovered that the making of Away has been a one man show. In a titanic enterprise, which somehow also ensured a certain degree of freedom and economy, Gints Zilbalodis did everything alone. Equally titanic seems the enterprise of his young protagonist, a teenager surviving an air crash accident, alone on an island, at the furthest point from the only town on said island. A slowly-moving black giant wants to kill him and the story of Away is the adventure of his escape from death in search of safety among the humans.
With this minimalist line of narrative, we are immediately projected onto an allegoric reading of the film, which will accompany us in every moment of the story. The accident as a birth; the choice between a paradise of solitude and the risk of facing death in order to join the other human beings as a coming-of-age dilemma; the mercy for the weakest animals as the ideal of solidarity; the breath of death as a memento of never giving up, etc.
The more or less philosophical or moral thread of Away constitutes only one layer of the film, for the visual layer, with its gorgeous aesthetics, is constantly rivalling any conceptual one. Actually, the conceptual and the aesthetic join together in a “vertical” dimension, where the abysm of existence is echoed through breath-taking landscapes. These landscapes, always great and beautiful, stress the disproportion between the individual and his world, actually making them “sublime” – in the Kantian sense. The absence of words, the inexorably approaching death, the both wide and isolated world, which acts as attractive and inhuman at the same time, the very (possibly deliberately too) repetitive music: all of this contributes to a metaphysical experience.
For this reason, Away is able to awaken the deepest feelings of childhood. More than focussing on the moral wisdom of mythology, Zilbalodis’ animation film expresses rather the sensations that a child can feel hearing a mythological tale, or the sensations that an adult can feel in a dream – the recurrent scenes of the black giant approaching the escaping character hints at a typical situation of dreams. After this intense experience that only animation can convey on a screen, it will be difficult to come back to the norms of reality. For me it remains open whether the young protagonist will find the coveted safety among the humans and their town. I would have probably liked to continue to wander through the sensuous and metaphysical landscapes, even if the death breathes down my neck…
Away | Film | Animation | Gints Zilbalodis | LV 2019 | 74’ | Fantoche Baden 2019
Room with a Coconut View
An automatic and computerised voice, Kanya, receives and guides a tourist, Alex, in a Thailand resort in Bangsaen. It is a way of exploring the specificity of the location through a journey that is immediately much more than a touristic survey. Within a paradigmatic temple for modern vacations, we discover the history and the politics that hide behind the kitsch patina of standardised holidays. A story of corruption and unlawfulness is interestingly intertwined with the story of Thai cinema, and Seanjaroen uses this to introduce an interrogation on the function of film representation.
Alex is actually an automatic and computerised voice himself, and he starts to explore the place alone, going beyond Kanya’s limits, beyond Kanya’s algorithm. The discourse of Room with a Coconut View is no longer a linear one: Seanjaroen’s socio-political criticism intensifies and the animated images of the film switch from the status of a filmic collage to a more complex form of aesthetic self-reflection, where the postcard-like images of tourism are linked to the images that are programmed and digitally elaborated.
With a second dramaturgic shift that relies upon the concepts of disturbance and breakdown – of the image, of the voice, of the story – the socio-political criticism evolves into an existential reflection. The liberating force of the digital connections overcomes the regressive power of digital programming, introducing the motive of the sub-conscious and thus the consciousness of the machine. After having shown the aesthetic panorama of a fully digitised anthropology, Seanjaroen finally conducts a sort of re-humanisation of said digitised anthropology by way of the machine itself.
Room with a Coconut View is a rich, complex, formally interesting essay where the documentary aspect is perfectly combined with a science-fictional reflection on the destiny of our vision and experience through the moving images, both within and beyond the machine. (GDS)
Room with a Coconut View | Short | Tulapop Seanjaroen | THA 2018 | 29’ | Locarno Festival 2018, Signs of Life | Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Promotional Award at Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Screenings at Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Ce magnifique gâteau!
À travers ce moyen-métrage d’animation, Emma de Swaef et Marc James Roels font des premières années de colonisation du Congo par les Belges, commençant par son roi Léopold II qui en fit sa propriété privée ( ! ), un portrait caractérisé par le caprice et l’avidité, dominé par l’éphémère. A travers des personnages improbables et représentatifs à la fois – du roi lui-même aux marchands et aventuriers belges, jusqu’au serveurs et esclaves locaux – se profile un monde de violence, mais en même temps d’étonnement. La stupidité et la mesquinerie semblent contaminer tout un peuple – le peuple belge – qui semble osciller au hasard entre naïveté et cruauté.
Le duo d’animateurs a choisi des matériaux doux pour leurs petites figurines d’étoffe, les couleurs sont tendres, la lumière chaude et envoutante, la musique de la fin du XIXème siècle mélodieuse et rêveuse : aussi par des palais au décor luxueux et une nature luxuriante, ils créent une atmosphère idyllique, presque paradisiaque, qui contraste violemment avec la réalité d’exploitation et de méchanceté d’un colonialisme représenté comme improvisé et fondamentalement ignorant. En effet, il ne s’agit de rien d’autre que du secret de Polichinelle de l’exotisme colonial, où contemplation et prédation se côtoient dangereusement – encore aujourd’hui !
Sans pour cela diminuer la portée d’un jugement justement dur contre les horreurs de la colonisation belge, de Swaef et Roels réussissent à transposer le récit aussi sur un niveau existentiel où, par la multiplication des accidents les plus banals (face auxquels nous ne savons pas trop si rire ou pleurer), la fragilité de l’existence implique tout le monde dans une sorte de nivellement universel. La mort et le rêve semblent transvaser l’une dans l’autre et créer le seul territoire où l’homme retrouve la dignité dans les sentiments, et le plaisir de l’imagination. (GDS)
Ce magnifique gateau ! | Film | Emma de Swaef, Marc James Roels | BE-FR-NL 2018 | 44’ | Festival Fantoche Baden 2018
Haarig
Anka Schmids neuster Film hat die Intelligenz, eine spezifische und ungewöhnliche Perspektive einzunehmen, um ihre eigene Geschichte zu erzählen: die Perspektive der Haare. Eine eingeschränkte Perspektive, die tatsächlich eine Erweiterung unserer Erfahrung bedeutet und die die Entdeckung einer Dimension des Körpers ermöglicht, welche sich als entschieden weniger marginal herausstellt, als es scheint. Haarig kreuzt persönliche Daten mit historischen: So wird mit der autobiografischen Geschichte auch die westliche Geschichte der Haare in den letzten Jahrzehnten erzählt. Deswegen ist das eigentliche Thema des Films die Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft, zwischen persönlichem Ausdruck und einer Kommunikation durch soziale Codes – ein Thema, das auch in der Aneinanderreihung von öffentlichen und privaten Archivbildern reflektiert wird. Mehr als für die Vertiefung des Themas überzeugt Haarig für seine formale Behandlung, durch die veranschaulichende Nutzung von Musik, die Verwendung einer humorvollen Off-Stimme und einer nie redundanten Animation. Die kompositorische Dimension des Films wird ständig hervorgehoben und verleiht dem Film die Frische und Dynamik eines Filmessays.
Haarig | Film | Anka Schmid | Fantoche Baden 2017, Solothurner Filmtage 2018
