The Logbook
À l’infini
Quand à la fin du film nous nous retrouvons face à l’écran noir où va apparaître « À l’infini », un puissant frisson va secouer notre corps. Ce n’est pas le titre du film qui est répété, c’est la conscience que tout ce qu’on a vu – et vécu – dans À l’infini va se répéter à l’infini. Le monde du soin des malades mentaux (en réalité il s’agit de pensionnaires de maisons d’accueil spécialisées, qui ne sont pas hospitalisés) dans lequel Edmond Carrère nous plonge ne s’arrête pas avec la fin du film. Les obsessions des pensionnaires, la patience des soignants (ou accompagnateurs), les médiations possibles et impossibles entre eux vont se renouveler au-delà des limites de l’expérience ponctuelle du regard souvent “touristique” des gens du cinéma.
Edmond Carrère fait ici preuve d’une fidélité impressionnante au réel, qu’il approche honnêtement en s’accrochant aux visages des soignants de ces maisons, pont immédiat pour accéder aux énigmes de ceux qui y vivent. Et ces derniers demeurent longuement vus par un regard latéral, les visages jamais au centre du regard de la caméra, avec donc une discrétion qui s’avère également une confession d’ignorance. Mais l’étonnant professionnalisme, l’inventivité et la disponibilité humaine du personnel spécialisé nous permettent finalement d’entrer en contact avec les malades mentaux et de gagner une proximité “physique” avec eux d’une rare puissance et d’une rare efficacité. S’il existe quelque chose comme un “cinéma du réel”, À l’infini d’Edmond Carrère en est l’exemple paradigmatique.
À l’infini | Film | Edmond Carrère | FR 2018 | 72’ | Visions du réel 2018
Slava - Glory
La gloire, selon la réalisatrice bulgare, est un jeu des apparences, un effet nominal englouti dans une machine bureaucratique sans valeurs, ou plutôt déterminée par des contre-valeurs. L’intégrité naïve du héros de Slava, Tsanko Petrov, qui dénonce par devoir civique la fraude et la corruption au sein de l’entreprise étatique des transports ferroviaires, est exploitée cyniquement par l’État lui-même pour mettre en scène sa réputation de probité et couvrir un système de corruption bien installé. Entre le pauvre employé et la cheffe de la communication du ministère des Transports, Julia Staykova, prend forme une lutte inégale, donc inévitablement vouée à l’humiliation de l’homme quelconque et au triomphe des abus de pouvoir.
Mais Slava est bien plus qu’un exercice de cynisme, car son réalisme documentaire et son attention pour les détails psychologiques des protagonistes nous permettent de considérer ce panorama sociopolitique catastrophique du point de vue de l’individu et de son humanité. En effet, ce style narratif ne fera qu’augmenter le pessimisme anthropologique qui domine le film, car le grand soin apporté au développement dramaturgique se révèle entièrement orienté vers un déterminisme sans rédemption possible. Le fait que cette histoire se déploie avec un bon tempo sur une ligne toute droite constitue donc la force émotive du film, lequel pour la même raison s’avère parfois un peu prévisible.
Slava – Glory | Film | Kristina Gozaeva, Petar Valchanov | BG-GR 2016 | 101’ | Festival del film Locarno 2016
Screenings in Swiss cinema theatres
Des moutons et des hommes
Karim Sayad nous montre Bab El Oued, un quartier populaire au nord d’Alger, en se concentrant exclusivement sur une activité à l’apparence marginale : l’entraînement de moutons pour le combat. Par les moutons nous découvrons ainsi un monde exclusivement masculin où le jeu, l’honneur et la victoire animent les esprits et structurent une société pauvre qui semble ne pas pouvoir réaliser ailleurs ses honneurs et ses victoires. Il n’y a pas de jugement dans le travail documentaire de Sayad, ni par les mots ni par le montage. Le choix de se concentrer sur deux personnages en particulier, Habib et Samir, respectivement au début et à la fin de l’âge adulte, permet d’embrasser ce phénomène sociétal en touchant tous ses aspects. Dénonciation du paupérisme, des injustices sociales, du manque de perspectives, ou d’une lassitude culturelle : tout demeure à l’état d’hypothèse dans Des moutons et des hommes, car ce film nous donne très peu d’éléments d’explication ou de contextualisation, et privilégie l’immersion. Peut-être trop peu informatif pour un documentaire à la caméra sans prétentions esthétiques particulières, le film nous met face à la relation physique entre homme et mouton, plus qu’à ses significations. Mais on trouvera justement ici la force Des moutons et des hommes : exercice de pouvoir et affection, esclavage et humanisation, la relation de l’homme à l’animal ressort dans toute sa complexité, justement en faisant abstraction du contexte, et en nous poussant à un retour à la dimension la plus basique, sincère et cruelle de l’humain. (GDS)
Des moutons et des hommes | Film | Karim Sayad | CH-FR-QAT 2017 | 78’ | Solothurner Filmtage 2018
Prix de Soleure 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Remote Control
Birdie is a boy with artistic sensibilities. He is growing up in a Mongolian ger district and has very few prospects. His only respite from the ramblings of a drunken father, the nagging of a nasty step-mother and from the little brother who steals from him to buy a pony ride are the daily sojourns to sell his neighbour’s milk in the capital city Ulaanbaatar. Eventually Birdie flees from the misery of his familial hell, taking up residence on a city rooftop, surrendering himself to the endless blue of the Mongolian sky. From here, he spies upon the lives of other people through their living room windows. Using a stolen “universal remote control”, he changes TV channels and anonymously interacts with the lives of these strangers: diffusing arguments, distracting sex, preventing robberies. He silently falls for a sad woman on the top floor who suffers from severe vertigo and a fear of flying; even his own happiness is experienced remotely.
There is a pervasive gentleness to the film, even in the violence. The Buddhist sensibility is infused everywhere – in image, character and story. The little monk, Bunya, whose desire to fly causes him to be beaten to death. The manifestation of a Mongolian princess appearing at the bus stop, walking amidst the traffic. Ideas of our remote spiritual interconnectedness are explored, with the ethical implications of never meeting fact-to-face, interacting instead only through digital technologies.
Tradition mingles with contemporary life, each making the other look antiquated in their ill-fitting relationship. Ulaanbaatar’s saturated urbanisation with its Soviet-era architecture meets the smooth grassy plains of the steppe, that reach out to dusty yurt districts with barking dogs and wooden fences, embraced by the dizzying scale of arid mountain ranges. The views are shot mostly with a flat widened lens and staccato pan, suggesting both duration and change.
There is a feeling that director Byamba Sakhya plays it safe in this, his first feature, but the lack of risk is an honest offering, with promising prospects of flying ahead.(JMR)
Remote Control | Film | Byamba Sakhya | MNG-DE-USA 2013 | 90’ | FIFF 2018
Screenings at FIFF 2018
Packing Heavy
Dass es der Welt, die Darío Mascambroni in Packing Heavy entwirft, am Elementaren fehlt, sieht man gleich am Anfang. Da sitzen fünf zwölfjährige Jungs im Kreis auf dem Boden und beatboxen. Die Musik muss ohne Instrumente hausgemacht werden, wenn man sie hören will. Auch am T-Shirt muss man riechen, bevor man es anzieht, denn die Waschmaschine funktioniert nicht mehr, und die Haare werden einem nicht vom Friseur, sondern vom Bruder eines Kumpels im Hinterhof vom Kopf rasiert. Eine Pistole und zwei Schachteln Munition hingegen liegen sofort bereit, sobald man sie braucht. Es sind dramatisch verschobene Zustände, innerhalb derer die Jungs, allen voran Tómas, der sich mit einer Mischung aus Trauer und kindlicher Unbeholfenheit am Mörder seines Vaters rächen will, in ihre Pubertät hineinwachsen.
Die besondere Stärke von Packing Heavy besteht nicht darin, die Lebensrealität der Kinder am staubigen und baufälligen Rand einer argentinischen Stadt mit klagendem Miserabilismus aufzuladen, sondern darin, tatsächlich die Frage nach dem (Hinein-)Wachsen zu stellen, die klassische Frage einer Coming-of-Age-Erzählung also, nur eben unter besonderen Vorzeichen, innerhalb besonderer Zustände. Es gibt ein schönes Bild, das diese Frage permanent am Leben erhält – es ist fast den ganzen Film über zu sehen. Tómas trägt das Fussballtrikot, das einst wahrscheinlich sein Vater trug. Es ist ihm viel zu gross, aber – und in diesem Bild liegt mehr Zuversicht, als es geschrieben klingen mag – er wird hineinwachsen. (LS)
Packing Heavy | Film | Darío Mascambroni | ARG 2017 | 68‘ | FIFF 2018
Screenings at FIFF 2018
