Récemment les documentaires sur les modèles alternatifs à l’économie gérée par la finance néo-libérale se multiplient, créant ainsi un véritable nouveau genre cinématographique. Mais l’intérêt et l’intelligence de Nul homme n’est une île est toute dans le fait de s’écarter de la tonalité utopique pleine de vœux pieux et d’idées chimériques qui souvent caractérise le genre. Ce résultat ne tient pas seulement au choix d’exemples réussis et crédibles de la part de Dominique Marchais, mais également au style sec et minimal de la mise en scène filmique. C’est un silence total qui accompagne les images d’ouverture (et de clôture) sur les Allégorie et effets du Bon et du Mauvais Gouvernement d’Ambrogio Lorenzetti. Ce que ce cycle de fresques met en évidence est la chaîne vertueuse entre coopération, initiative, participation, autonomie, respect du territoire, satisfaction pour le travail.

Or — et l’on trouve ici l’essence de la sagesse de ce documentaire — il s’agit d’une chaîne dont aucun des maillons ne peut manquer ni être remplacé. C’est encore le silence qui accompagne un regard sur la géographie qui se veut renouvelé car de nouveau attentif, patient, lucide ; et c’est encore le silence qui fait ressortir les mots simples, concrets, non rhétoriques des protagonistes des expériences de récupération du tissu agricole et artisanal dans les zones non urbanisées de l’Europe (en effet, nous restons entre la région de Catane, en Sicile, et les vallées proches du Rhin entre Suisse et Autriche).

On peut (re-)commencer par le plaisir des anciens métiers, par une réappropriation de la spécificité géographique d’un lieu, par la coopération solidaire et les expériences d’autonomie du marché, mais il s’agira toujours de commencer par un mouvement collectif qui naît des besoins et des motivations. Pour ces dernières — comme le dit Manfred Hellrigl, le responsable du "Bureau pour le futur" de la région autrichienne du Vorarlberg —, il s’agit de redonner confiance aux personnes en leur demandant d’imaginer leur vie idéale. Oui, seul le levier de la motivation personnelle pourra substituer, aux (désormais) rares socialismes de nécessité qui ont animé les régions pauvres et indépendantes (parmi lesquelles il y a eu la Suisse des montagnes également), ce qu’on pourrait appeler un "socialisme du désir". (GDS)

Nul homme n’est une île | Film | Dominique Marchais | FR 2018 | 96’

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Screenings in Swiss cinema theatres 

Loin d’être un biopic sur une icône égyptienne, Looking for Oum Kulthum met en scène, à la manière de Barbara (Mathieu Amalric, 2017), le tournage d’un film sur Oum Kulthum (1898-1975). Ainsi, au lieu de vouloir percer les rapports étroits entre création et vie chez la chanteuse, la cinéaste Shirin Neshat, par un processus de mise en abyme, interroge l’entremêlement de ces deux éléments dans le processus de création cinématographique et, par conséquent, dans la construction de la personnalité d’Oum Kulthum. En l’occurrence, elle va dépendre de projections, variant au cours du récit, de la réalisatrice Mitra (Neda Rahmanian) sur cette grande célébrité du Moyen-Orient. Dans les premières séquences du film, hétérogènes et magnifiques, celle-ci cherche à saisir par une posture contemplative qui est Oum Kulthum — en la fantasmant, s’imaginant elle-même dans son propre film, puis en auditionnant des acteurs pour le rôle principal de son long métrage.

Cette appropriation par une observatrice étrangère — comme Shirin Neshat, Mitra est iranienne —, qui plus est une femme, va soulever un nombre considérable de tensions dont le fondement semble idéologique, social et politique. En choisissant des acteurs issus de classes populaires, Mitra veut leur soumettre une vision de la diva qui diverge drastiquement de la leur : d’un côté nous avons une personne humble dont le succès ne l’éloigne pas du peuple ; de l’autre, une Oum Kulthum qui a dû tout sacrifier, notamment sa famille et ses origines, pour parvenir dans un milieu conservateur et traditionnel. La vie privée de Mitra va toutefois finir par bouleverser ses certitudes : à la figure mythifiée de Oum Kulthum, elle lui préfère, quitte à violenter les faits, une personnalité plus fragile tiraillée entre la gloire et la fidélité à elle-même, à sa famille. 

Looking for Oum Kulthum semble dès lors dénoncer l’impossibilité pour une femme de concilier ces deux rôles : un choix s’impose nécessairement. À ceci, s’ajoute une belle réflexion sur le cinéma, déconstruisant les figures mythiques pour leur donner plus d’épaisseur, de chair, d’humanité. (SS)

Looking for Oum Kulthum  | Film | Shirin Neshat | DE-AT-IT-MAR 2017 | 130’ | Art Basel Film Programme 2018

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Screenings in Swiss cinema theatres 

Le dernier film de Jaime Rosales prend l’allure d’un conte moral — toutefois réaliste — dans un univers où justice et rédemption orientent téléologiquement le récit et où l’un des personnages principaux, Jaume (Joan Botey), double maléfique du réalisateur, est dépeint sans nuance.

En effet, à l’exception d’un employé pour qui il semble éprouver de la sympathie, l’autre se résume pour lui à un objet, support de plaisir, sur lequel exercer son pouvoir. Du sublime décor qu’offre la Gérone, on n’éprouve pas moins l’étouffement, en dehors de quelques échappées dans une forêt comme pour rendre palpable la pression psychologique que subit son entourage et les impasses existentielles dans lesquelles il l’entraîne.

Le caractère moralisateur de Petra réside dans la conciliation d’un paradoxe entre un sujet au potentiel dramatique et sa forme, qui maintient le spectateur à distance et empêche par conséquent son immersion dans la diégèse. Une narration non linéaire, elliptique et découpée en chapitres, signale la présence d’un narrateur extradiégétique qui oriente l’attention sur ce qui va suivre tout en laissant hors champ les événements dramatiques eux-mêmes, pour se concentrer essentiellement sur l’enchaînement causal irréversible qu’ils créent. Aussi, les retours en arrière qu’opère le récit permettent de jouer sur les attentes du spectateur, qui découvre, généralement, en même temps que Petra (Bárbara Lennie) les vérités cachées qui finissent par éclater, parfois trop tard.

Dans ce décalage créé entre la forme et le fond, le jeu des acteurs détonne particulièrement. Il reste sans excès, tout en retenue. Incertains, lents, les mouvements de la caméra participent par ailleurs fortement à la sobriété de ce jeu : celle-ci se meut à la manière d’un individu, s’approche des personnages d’abord saisis dans un plan d’ensemble, oriente ensuite son attention sur l’un, puis sur l’autre, avant de porter son regard sur un objet environnant ou sur la nature, dernier espoir d’évasion — illusoire ? — face à cette situation aliénante. (SS)

Petra | Film | Jaime Rosales | ES 2018 | 105' | Les cinémas du Grütli Genève

Quinzaine des réalisateurs - Festival de Cannes 2018

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Meredith und André, beide in der fortgeschrittenen Hochblüte ihres Lebens, bereiten sich auf das Fest ihres 35. Hochzeittages vor. Alles ist perfekt. Die gegenseitige Anziehung ist da, Freunde, kulturelles Leben und berufliche Herausforderungen gestalten den Alltag und man lebt in einer tollen, modernistischen Villa mit Blick ins Grüne. Doch ganz plötzlich und unerwartet ist es da, das Vakuum, der luftleere Raum durch eine unerklärbare Situation: Meredith erfährt nach einer Blutspende, dass sie HIV-positiv ist.

An diesem Punkt beginnt der Film spannend zu werden. Achtsam und ohne übertriebene Emotionalität erzählt die Filmemacherin Christine Repond eine Geschichte, wie sie überall vorkommen kann; nüchtern, eindringlich und folgerichtig. Das gelingt auch dank der spärlich und bewusst eingesetzten Filmmusik. Die Stärke des Films ist die von Barbara Auer getragene Hauptfigur Meredith, die mit der ungewollten Ansteckung konfrontiert ist, die von ihrem Schicksal ausgedacht, beziehungsweise durch ihren Mann André verursacht wurde. Mit grosser Subtilität und starker Strahlkraft verinnerlicht Auer die Figur von Meredith glaubhaft und überzeugend. «... Da ist etwas in meinem Leben, das nicht da hingehört. So ein Gefühl habe ich. Diese Sache, die du gemacht hast, gehört nicht in mein Leben.» In einem Schwall von Anschuldigungen und Rechtfertigungen zwischen den Partnern erfährt der Film den Höhepunkt seines Realismus und wird therapeutisch auch dank der klugen Fragestellungen des behandelnden Arztes, der ein echter ist: «Ist es das erste Mal, dass Sie so über ihre Gefühle gesprochen haben?»

Vakuum ist ein Film, der Form und Inhalt durch eine undramatische, subtile Kamera (Aline László) und starkes Schauspiel stimmungsvoll zusammenbringt. Dieser Paarlauf zeigt zwei Menschen, die einen Weg finden, der nicht zerstört, sondern einen neuen Reifeprozess auslöst. Manchmal wünschte man sich, dass hier noch etwas mehr riskiert worden wäre. Doch überzeugt Christine Repond durchaus in ihrem Zweitlingsfilm und man kann gespannt auf ihr kommendes Werk sein. (RB)

Vakuum | Film | Christine Repond | CH-DE 2017 | 85’ | Solothurner Filmtage 2018

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Le dernier film de Joanna Kos-Krauze et Krzysztof Krauze (décédé pendant le tournage du film en 2014) nous fait remonter à l’infernal été du 1994 au Rwanda et au génocide par la porte inattendue d’une ornithologue polonaise et de sa relation avec la jeune fille de son collègue rwandais, laquelle se sauve en Pologne. L’axe Rwanda-Pologne également est inattendu, mais à bien y réfléchir il se justifie d’un côté par le traumatisme des massacres collectifs, qui nous fait donc remonter jusqu’à la Deuxième Guerre mondiale, et de l’autre par la question des réfugiés, qui nous projette dans l’actualité européenne. Même si l’histoire racontée dans Birds Are Singing in Kigali est fort particulière, dans l’espace et dans le temps, son rayon d’action va largement au-delà, en touchant une universalité historique et contemporaine à la fois — et en embrassant ainsi les biographies des deux metteurs en scène polonais.

Le développement de l’histoire souffre quelquefois de deux caractères excessivement dramatisés, d’autant plus que le travail de la caméra (Krzysztof Ptak, Józefina Gocman, Wojciech Staroń) fait preuve d’une exceptionnelle intelligence et d’une grande intensité. C’est justement grâce à ce tissu visuel solide que les moments d’hésitation, de lenteur, d’ouverture dans la dramaturgie du film constituent finalement les moments les plus réussis, à mes yeux. Ces moments, intercalés parmi les scènes d’action dans une architecture de montage atypique et stimulante (Katarzyna Lesniak), permettent d’illuminer la complexité des différents thèmes approchés dans Birds Are Singing in Kigali : thèmes sociaux comme celui de l’identité des réfugiés, psychologiques comme celui des conséquences des traumatismes de guerre, politiques comme celui du colonialisme. (GDS)

Birds Are Singing in Kigali | Film | Joanna Kos-Krauze, Krzysztof Krauze | PL 2017 | 113’ | Bildrausch Filmfest Basel 2018

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Nanouk Leopold s’insère efficacement dans un filon précis de cinéma qui s’intéresse aux personnes marginalisées, mais il y renouvelle la donnée sociale : le cliché d’une jeunesse qui rejette la génération de ses parents se trouve renversé, et nous sommes face à des enfants dont les parents ont sombré dans la dépendance aux drogues. Cobain, mal à l’aise avec ce nom qu’il porte comme un fardeau, se charge de la tâche impossible de “sauver” sa mère, de la sauver de la dépendance à la drogue mais également de sa solitude. Car Cobain devient le héros de l’affection contre toute une philosophie du “ça va pour moi, ça va pour toi”, incarnée par sa mère et toute une génération qui a confondu l’émancipation des modèles familiaux patriarcaux avec la célébration d’un individualisme cynique.

Mais toute la force de Cobain — il faut le préciser — est justement dans la capacité de Leopold à ne pas construire avec Cobain une figure de héros. Le jeune garçon a 15 ans, et son visage exprime bien l’ambiguïté entre l’enfant et le “petit homme” — Manneken, comme l’appelle Mia, sa mère. Il s’agit ici d’une ambiguïté virtuose qui se manifeste surtout dans les hésitations du garçon, lequel se retrouve à la fin comme destiné à résister jusqu’au bout contre l’autodestruction de sa mère par une force de vie qui semble bien dépasser sa volonté continuellement assaillie. Grâce à cette belle figure complexe, qui donne à voir la vie plus que l’individu, la rencontre intime de Cobain à laquelle une caméra à très courte profondeur de champ nous oblige deviendra pour nous beaucoup plus qu’une simple expérience d’identification. (GDS)

Cobain | Film | Nanouk Leopold | NL-BE-DE 2017 | 94’ | Bildrausch Filmfest Basel 2018

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