Les hirondelles de Kaboul | Zabou Breitman

Interview avec Zabou Breitman

De passage à Lausanne pour la promotion du film Les hirondelles de Kaboul, Zabou Breitman nous parle de sa première expérience en tant que metteuse en scène et dialoguiste d’un film d’animation. Adapté du roman de l’écrivain algérien Yasmina Khadra, Les hirondelles de Kaboul nous propulse en 1998, au moment où la ville afghane subit l’obscurantisme des talibans. Au cœur du récit, deux couples d’âges différents. Zunaira et Mohsen sont deux jeunes rêveurs qui s’aiment profondément. Plus âgés, Atiq, gardien de prison au service d’une justice expéditive et sa femme Mussarat qui souffre d’un cancer, sont dans la tourmente...

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Mariama Balde (MB) : Vous avez choisi une voie singulière pour réaliser ce film d’animation. Dans un premier temps, pouvez-vous nous parler de la voie « traditionnelle » de fabrication d’un tel film ?

Zabou Breitman (ZB) : Vous dites la voie « v-o-i-e », pas « v-o-i-x » !

MB : Nous allons aussi parler des voix du film…

ZB : La voie habituelle consiste à d’abord dessiner avant de faire intervenir les acteurs. Une fois le travail de dessin terminé, l’acteur se retrouve derrière une barre pour interpréter le texte sur les images animées. J’ai moi-même fait l’exercice deux-trois fois, notamment pour le film Titeuf (2011) de Zep [Philippe Chappuis], où je jouais la mère. Déjà là, je trouvais dommage de ne pas tout jouer normalement, comme dans une scène de cinéma. C’est pour cela que pour Les hirondelles de Kaboul on a décidé de faire le chemin inverse. Avant que les animateurs n’interviennent, on a d’abord couché une bande-son avec les acteurs. Ainsi, le dessin s’adapte à l’acteur et pas l’inverse. J’ai été heureuse de voir à quel point tout devient hyper réaliste ! Il était important pour moi que tout existe, même les imperfections comme les raclements de gorge, les répétitions, les interruptions…

MB : Est-ce que ça veut dire que dans ce souci de réalisme, vous aviez aussi placé certains accessoires en studio ?

ZB : Oui, nous avions les costumes dans le studio. C’était très important par exemple de pouvoir sentir le chadri (ou burqa) que porte Zita Hanrot (Zunaira). On perçoit à travers les frottements et la façon qu’elle a de s’exprimer son empêchement et à quel point ce vêtement la gêne. Ça donne une sensation de réel hallucinante.

MB : C’est le premier film d’animation que vous réalisez. Qu’est-ce qui vous a le plus excitée dans ce processus ?

ZB : Le fait de recevoir des images qu’on ne connaît pas. Par exemple lorsque vous n’avez que les contours de l’image et que tout à coup vous découvrez cette même image en couleur, c’est merveilleux ! Nous avons monté dans un premier temps un film sans les couleurs. Est-ce qu’on est en train de regarder un coucher ou un lever de soleil ? Seule la teinte nous l’indique. Le travail d’Eléa Gobbé-Mévellec (animatrice et coréalisatrice) est très documenté. J’ai été impressionnée par son sens du détail.

MB : Pouvez-vous nous parler du casting ?

ZB : Je connaissais d’avant toute cette brochette d’acteurs extraordinaires. Simon Abkarian est un excellent comédien, avec son accent libanais que j’adore. Hiam Abbass est aussi une actrice exceptionnelle. Elle a de la trempe ! Zita Hanrot est solaire, drôle, forte. Swann Arlaud que j’ai eu l’occasion de voir interpréter plusieurs rôles est lui aussi sublime. Il y a également Michel Jonas et mon papa (Jean-Claude Deret) qui malheureusement nous a quittés avant de pouvoir voir le film fini. Je n’avais par contre jamais travaillé avec Sébastien Boudreau qui joue celui que j’appelle le beau-méchant. Je tenais à ce que le méchant soit beau. Un méchant qui est beau fait encore plus peur.

MB : Vous avez aussi tenu à ce que les personnages aient les traits des comédiens…

ZB : Oui, tous ont très vite compris qu’ils allaient devenir un peu plus que des voix.

Je reconnais les mains de Simon Abkarian, les gestes de Hiam Abbass, le corps de Zita Hanrot en mouvement.

MB : Est-ce qu’il y a eu beaucoup d’allers-retours entre l’écriture et l’animation ?

ZB : Je dois d’abord dire qu’avant que j’intervienne, il y a eu un premier scénario bien plus proche du roman signé par Patricia Mortagne et Sébastien Tavel. Ensuite, la décision a été prise d’en faire une animation et comme en l’état ça n’était pas possible, on m’a sollicitée pour l’adaptation. Yasmina Khadra a eu la classe absolue de me laisser prendre quelques libertés par rapport au roman. Par exemple j’ai eu envie que Zunaira soit peintre et non avocate. Il y a effectivement eu beaucoup d’allers-retours entre l’écriture et l’animation, surtout arrivé à la table de montage. On a souvent eu un souci de temps trop court à l’intérieur des séquences. C’est simple, s’il n’y a pas de temps à l’intérieur des scènes, l’émotion ne naît pas. Et comme dans un film d’animation il n’y a pas de rushs, évidemment, c’est encore plus compliqué d’étirer ce temps-là. Pour y pallier, j’ai eu l’idée de reconsidérer les décors vides pour qu’ils fassent partie intégrante du montage.

MB : Comme des plans de coupes finalement ?

ZB : C’est ça. On a trouvé plusieurs astuces comme celles-ci où on a « triché » en s’aidant des images existantes d’Eléa et du son. Il s’est avéré que les moments qu’on a ainsi créés sont nécessaires à l’histoire qu’on voulait raconter. Avec la monteuse on a travaillé trois semaines autour de cette question centrale de l’émotion et de comment on allait la faire monter. On a vachement bossé en fait.

MB : Pourquoi avoir placé l’histoire en 1998 et pas en 2001 comme dans le livre ?

ZB : C’est ce qu’on appelle la mémoire horizontale. Quand on évoque cette année, 1998, chacun se rappelle où il était. Pendant qu’on avait les yeux rivés sur les matchs de la Coupe du monde de football, les talibans tuaient des femmes dans des stades.

MB : Partir ou rester, se battre ou se résoudre à l’état des choses sont des questions importantes du film…

ZB : Tout à fait. J’ai souhaité les mettre en avant. Ça et la culture ! Il ne faut pas oublier que le peuple afghan est un peuple extrêmement fin et cultivé. C’est un film qui pose la question de ceux qui restent et aborde leurs questionnements.

MB : Pourquoi avoir choisi le dessin pour raconter une histoire tragique ? Pour mieux supporter la violence qui est présente partout ?

ZB : On me l’a proposé donc c’est une idée que je ne peux pas faire mienne. Cependant, j’avais très envie de travailler avec le procédé que j’ai décrit ! Le choix significatif que j’ai fait est que parmi la vingtaine de dossiers de dessinateurs reçus, j’en ai gardé deux qui se rapprochaient davantage de l’évocation en termes de style. Le dessin d’Eléa Gobbé-Mévellec, qui a réalisé ces aquarelles sublimes, est plutôt abstrait. La scène de la lapidation est d’une extrême violence, sauf que quand cette femme saigne, c’est de la peinture qu’on voit. J’ai accepté de participer au projet parce qu’il s’agissait d’un film d’animation sur ce sujet.

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Genève, 18.9.2019