Locarno Shorts Weeks 2020
1-29 - February 2020: FREE STREAMING! In collaboration with the Locarno Film Festival
Filmexplorer’s commitment to short films here takes the form of an intriguing collaboration with the streaming initiative of the Locarno Film Festival.
Starting from February 1st, a total of 23 short films included in Locarno Film Festival’s 2018 line-up is presented in the scheme of a new film every day, each one being available for streaming for free in the online platform for a week. In the words of the Locarno Film Festival: «Rather than spending time trying to go through the excluding algorithms of giant VOD platforms that are trying to shape the audience’s needs and desires according to their own industrial products, one can choose to get lost in the niche algorithms created by these 23 filmmakers’ minds».
Filmexplorer is happy to mention and discuss a SELECTION of these 23 short films, all available for streaming for free.
Two of them will be also streamed on Filmexplorer!
In FOCUS
FREE STREAMING on FILMEXPLORER
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FREE STREAMING on FILMEXPLORER - 13-19 - February 2020
Veslemøy’s Song | Sofia Bohdanowicz | CAN 2018 | 9’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020
A cipher for Sofia Bohdanowicz herself, Audrey (Deragh Campbell) searched the New York Public Library for a rare recording of a song by Kathleen Parlow, a music instructor who taught Bohdanowicz’s grandfather the violin. Campbell’s Audrey also appears in Bohdanowicz’s first feature Never Eat Alone (2016) and her latest feature MS Slavic 7. The Toronto-based filmmaker retraces the experiences of her grandmother, Joan Benac, through fictionalised frameworks and via certain sounds and images that illuminate the relative precarity of the analogue age.
In the film a young girl flies to New York to listen to a record from 1909. That record is Veslemøy’s Song, the encore to a hundred page concerto piece dedicated to the once famed but now forgotten music teacher of Bohdanowicz’s grandfather. Being a very rare wax cylinder, Audrey can neither see nor touch the record. She can only communicate with the engineer through a computer interface. Withholding the end of the record from her, the technician’s messages appear sterile and lifeless. Audrey cries, eats an egg salad sandwich and the film ends.
This vaguely dystopian ending to the form makes the form-within-the-form structure especially pertinent. The intimacy (and lack thereof) in the encounter between Audrey and technician – between Audrey and her disappointing egg salad sandwich – contrasts with the deep personal significance the record has for her family history. Watching this hand-processed 16mm film digitised into a mp4 file as a criticism on an online viewing library before it goes on to show at an on demand festival platform calls forth questions of reproduction and authenticity. In the reproduction and dissemination, the ease of accessibility means the plane journey Audrey makes is no longer necessary. It is as readily available worldwide as the disappointing egg salad sandwich she eats.
It is in the search for the original that beauty arises however. The soundtrack – the gentle plucking of violin strings, the clicking of a metronome – offers gentle suggestions of something not instantly available online. The degraded 16mm film again points to something that we can no longer see, a faded beauty, a legacy, Parlow herself perhaps.
(Laura Davis)
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FREE STREAMING on FILMEXPLORER - 2-8 - February 2020
Room with a Coconut View | Short | Tulapop Seanjaroen | THA 2018 | 29’ | Locarno Festival 2018 - Signs of Life, Locarno Shorts Weeks 2020
An automatic and computerised voice, Kanya, receives and guides a tourist, Alex, in a Thailand resort in Bangsaen. It is a way of exploring the specificity of the location through a journey that is immediately much more than a touristic survey. Within a paradigmatic temple for modern vacations, we discover the history and the politics that hide behind the kitsch patina of standardised holidays. A story of corruption and unlawfulness is interestingly intertwined with the story of Thai cinema, and Seanjaroen uses this to introduce an interrogation on the function of film representation.
Alex is actually an automatic and computerised voice himself, and he starts to explore the place alone, going beyond Kanya’s limits, beyond Kanya’s algorithm. The discourse of Room with a Coconut View is no longer a linear one: Seanjaroen’s socio-political criticism intensifies and the animated images of the film switch from the status of a filmic collage to a more complex form of aesthetic self-reflection, where the postcard-like images of tourism are linked to the images that are programmed and digitally elaborated.
With a second dramaturgic shift that relies upon the concepts of disturbance and breakdown – of the image, of the voice, of the story – the socio-political criticism evolves into an existential reflection. The liberating force of the digital connections overcomes the regressive power of digital programming, introducing the motive of the sub-conscious and thus the consciousness of the machine. After having shown the aesthetic panorama of a fully digitised anthropology, Seanjaroen finally conducts a sort of re-humanisation of said digitised anthropology by way of the machine itself.
Room with a Coconut View is a rich, complex, formally interesting essay where the documentary aspect is perfectly combined with a science-fictional reflection on the destiny of our vision and experience through the moving images, both within and beyond the machine.
(Giuseppe Di Salvatore)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 23-29 - February 2020
D’un château l’autre | Emmanuel Marre | BE-FR 2018 | 40’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020 | Pardino d'oro at Locarno Film Festival 2018
Jeunesse en quête de valeurs, solitude des vieux, élitisme de la société française : parmi les différents thèmes touchés par D’un château l’autre, c’est la question du patriarcat qui domine impérieusement dans la réalité documentée par Emmanuel Marre. Face aux yeux timides et peureux du jeune Pierre, ce sont les figures d’Emmanuel Macron et Marine Le Pen qui règnent, pendant les dernières élections présidentielles, sur une foule bêtement exaltée. Même si le choix des scènes et le montage expriment un discours quelquefois trop déclaratif voire manipulateur, la polarisation manichéenne entre individus — Pierre et la vieille Francine que le jeune homme assiste — et masse indéterminée — les « autres » — semble finalement convaincre en représentant une société où la spécificité de la personne a d’énormes difficultés à émerger du conformisme ambiant. À l’opposé des « pères de la patrie », nous découvrons Francine, qui est grand-mère de par son âge et la profonde justesse de ses observations, mais reste surtout femme, femme libre et — hélas, il faut encore le dire, bien qu’avec sa sagesse cela devrait relever du bon sens… — féministe. Dans des images d’extérieurs et intérieurs filmés avec cruauté et sensualité à la fois, Pierre hésite, essaye l’enthousiasme collectif, se retire, perd tout espoir — le tout dans un langage cinématographique minimaliste et pour cette raison efficace. Puis il se retrouve à construire, presque malgré lui, une amitié d’une grande tendresse avec la vieillarde. Mais cet espoir humaniste sera destiné à se heurter au rationalisme gestionnaire des « autres ».
(Giuseppe Di Salvatore)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 17-22 - February 2020
Le discours d’acceptation glorieux de Nicolas Chauvin | Benjamin Crotty | FR 2018 | 26’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020
Nicolas Chauvin lui-même monte sur scène et nous tient un discours. Un discours débordant d’exagérations, qui nous met donc à distance. Ce sont d’abord les clichés sur la France qui s’envolent dans une emphase caricaturale : voilà la première irrévérence de ce film. Puis celle qui glorifie le garçon tout bêtement grossier, macho, véhiculant toute la minable série de références nationalistes (dont on ne sait trop s’il faut vraiment les rappeler). Les mots et les idées de ce Chauvin sont pathétiques, emplis de médiocrité — ce que, d’ailleurs le personnage admet lui-même. Entre jeu et conscience critique du jeu, l’adulation de Napoléon occupe une bonne partie du film et exprime parfaitement le royalisme à la française encore si actuel. Confronté à la vérité de son inconsistance, Nicolas essaie de tuer la vérité, pour finalement être tué par elle. Il se sauvera seulement grâce à la scène du spectacle, qui se conclut par une liste de remerciements : une pléthore de figures populaires ou populistes, qui cherche à toucher de façon critique les lieux communs des Français.
Avec Le discours d’acceptation glorieux de Nicolas Chauvin, on ne sait jamais si l’exercice brillant de satire saisit sa cible critique ou si la force destructrice s’avère finalement être une légitimation bienveillante et inattendue. On dirait que l’attachement, critique ou non, à la France triomphe encore ! C’est donc plutôt pour sa forme que le film de Benjamin Crotty mérite d’être mentionné : assumant la culture du selfie, il exprime la joie du bricolage inventif. Plus particulièrement, la continuité du discours déclamé à travers plusieurs scènes très différentes, toutes explicitement mises en scène, semble bien référer à l’esthétique des vidéo-clips. Le tout habillé de cette robe précieuse qu’est la pellicule : une trouvaille cinématographique hors norme (contrairement au Chauvin national…).
(Giuseppe Di Salvatore)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 9-15 - February 2020
Reneepoptosis | Renee Zhan | USA-JAP 2018 | 10’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020
Reneepoptosis is a ten-minute animated poem composed of hundreds, if not thousands, of illustrations, a cacophony of foley sounds and a multiverse of handmade textures. It is the winner of the Sundance 2019 Animated Short Prize and has been screened at festivals worldwide. Speaking in rhyming couplets, a trio of flabby bulging mole women move high and low through body and soul, land and sea taking the viewer through internal and external world as they are conceived, digested, excreted and finally annihilated.
The odyssey is a body nightmare and a post-lapsarian pursuit of an absent god. It conjures images of maternal anxiety, cancerous growth, carnivorous self-annihilation... Every speaking, squeaking, squelching, belching breath is attributed to filmmaker Renee. The characters all have her haircut. In this topography of the self she is both the mother and the parasite. This fact is perhaps attributed to the extreme loneliness that accompanies the animator. The film began with a Harvard fellowship which she spent on a two-month hike between Tokyo and Kyoto. This journey of self-discovery and intense isolation saw the genesis of the poem. She told Harvard Magazine that on this journey she played host to a colony of leeches on her body. Picking them off was an unforgettable experience but one that shaped her characters and the feeling of the film as a whole.
The ecological analogy is especially evident in the backgrounds to the animation with crumbled blot paper throughout. It gestures towards the artist's many attempts at perfection, frustration and experience of repetition. The title makes reference to the cellular process of autophagy: the programmed cell death that occurs as a normal part of cell development. In Reneepoptosis, we see the artist destroying herself to move on through form and content. Don't be fooled: this ten-minute animation is just as brutal as it is sweet.
(Laura Davis)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 7-12 - February 2020
La cartographe | Nathan Douglas | CAN 2018 | 34’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020
La première cartographie que le film de Nathan Douglas nous présente est celle de la périphérie d’une ville anonyme du Canada, esquissée par le regard observateur d’une petite fille depuis le balcon d’une très haute tour résidentielle. Sa mère travaillant quelque part au loin, et son frère englouti dans ses jeux vidéo, elle est comme enfermée dans une cellule d’observation au rayon aussi ample qu’insignifiant. La cartographe tarde à développer sa tension narrative, et nous plonge ainsi dans l’ennui que rythme la voix inexpressive de la fillette. La disparition d’un élément de sa routine observatrice — un joggeur qui ne fait plus son tour habituel — déclenche la rupture de l’isolation et la sortie de la protagoniste à l’extérieur du bâtiment, à la recherche du joggeur perdu. Dans un climax fort émotif, le film termine avec une longue lettre, lue par la même voix (off) de la petite fille, qui parvient à créer un contact inespéré avec le joggeur voisin : un poème du rapprochement, empreint d’humanisme, qui est capable de tisser une autre cartographie, relationnelle, dans la géographie aliénée par un urbanisme individualiste. Un film en crescendo.
(Giuseppe Di Salvatore)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 3-9 - February 2020
Je sors acheter des cigarettes | Osman Cerfon | FR 2018 | 13’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Short Weeks 2020 | Winner of the Medien Patent Verwaltung AG Prize 2018, Pardi di domani International competition at the Locarno Film Festival 2018
Le point de vue d’un gamin de douze ans semble figurer un regard sarcastique, qui ne manquera pas de rappeler celui des Simpson, aussi car la scène de ce film d’animation est entièrement contenue dans l’espace d’un appartement. Le portrait réaliste d’une famille composée d’une mère et ses deux enfants, qui porte une grande attention aux détails, laissera de plus en plus de place à une tonalité imaginative et inquiétante, due à l’apparition de plusieurs hommes, tous pareils et tous cachés dans les coins les plus improbables de l’appartement. Communiquant exclusivement avec le gamin, ils créent une narration parallèle, celle de la fantaisie personnelle du gamin, où le drôle se mélange au sinistre. Le registre symbolique finira par se manifester, en faisant référence au trauma de l’absence du père. Mais Osman Cerfon a su n’accomplir cette recomposition « significative » du réel et du fantastique qu’à la fin du film, lui donnant ainsi sa juste tension narrative.
(Giuseppe Di Salvatore)
FREE STREAMING on Locarno Shorts Weeks - 1-7 - February 2020
Los que desean | Short | Elena López Riera | CH-ES 2018 | 24’ | Locarno Film Festival 2018, Locarno Shorts Weeks 2020
È uno “sport” quanto meno inusuale: far gareggiare piccioni maschi, colorati in modo vistoso e mantenuti in astinenza sessuale, con l’obiettivo di conquistare il solo piccione femmina presente, il cui lancio in aria apre la gara. Gran parte della forza di Los que desean sta certamente nella scelta di questa peculiare realtà del sud della Spagna. Pertanto quella di Elena López Riera non è solo una narrazione che segue le ritualità degli uomini in gara, e questo non senza un tocco di ironia. L’abile montaggio del documentario insiste, sì, sulle analogie tra uomo e animale, ma apre anche a momenti di esitazione o noia, in cui la passione sportiva si ritrova incrinata. Il mondo maschile e machista, certamente messo in rilievo a mo’ di denuncia, rivela le sue faglie profonde. Allo spettatore resterà un sorriso triste.
(Giuseppe Di Salvatore)
Text: Giuseppe Di Salvatore, Laura Davis