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Welcome to Sodom
Screenings in Swiss cinema theatres
Filming the largest electronic waste dump in the world at Agbogbloshie, Accra in Ghana – revealingly named “Sodom” – Florian Weigensamer and Christian Krönes provide us with astonishing images: a toxic landscape of gifted waste that is constantly laboured upon by free workers of all ages who recycle the valuable and worthwhile metals and burn the useless plastics. There is an apocalyptic beauty in these appalling images of waste and fire, which actually constitute only the framework for the variety of peoples and activities on which the filmmakers focus. Besides the work and the little businesses, we also discover a lively society where music and dance attempt to dispel the hellish miasma of death. A confused preacher with a newspaper for a microphone reminds of the punishment for Sodom and Gomorrah, while two quiet workers play golf on the carpet of waste and charred plastic. The women – often children – sell “pure” water and candies, an improvised cart shows off a Mercedes emblem, a gay Jewish worker reads Shakespeare and Chaucer…
Yet, the visual beauty and the curious diversions in Welcome to Sodom do not act as relief for us, but almost as sarcastic touches of desperate irony. The basic elements are subverted: the ground moves like rubber on swampy earth, fire produces black clouds of smoke, water is wasted to cool the metals – this is the hidden face of our technology consumerism. Some people still find this hell an attractive place: the risks notwithstanding, the opportunity for small businesses remains interesting and, moreover, Sodom is seen as a place of freedom, a no man’s land. When the price of freedom looks like this nightmare, and with Ghana still considered one of the fastest-growing economies in the world, one cannot but deduce a catastrophic situation concerning the distribution of wealth.
If the Sakawa voodoo rituals inform us of the levels of despair of people for whom death is an occasional outcome of money games, the documentary still gathers pearls of hope from this ocean of trash, insofar as it collects the wishes and imagination of the people living in Sodom: migrating, becoming an astronaut, finding a tolerant place for homosexuals, learning languages. For this, the use of the voice-over creates a crucial distance, like a safe bubble for witnesses in the middle of a panorama without horizons. In this same vein, the exceptional music played by the locals emerges equally as a decisive layer of Welcome to Sodom, and transmits a contagious positive energy. Thus, the last word of the film is spoken by a powerful song, which is placed at its end as a very long coda, as if seeking deliverance. (GDS)
Welcome to Sodom | Film | Florian Weigensamer, Christian Krönes | AT-GHA 2018 | 92’ | Zurich Film Festival 2018
Special Mention at the Zurich Film Festival 2018
Wildlife
Leurs styles sont très différents, mais le premier film où Paul Dano se place derrière la caméra présente une histoire dont la trajectoire inexorablement descendante me fait penser au grand The Swimmer de Frank Perry (1968). En commun, ces deux films ont également une collaboration “matrimoniale” à leur écriture — Perry avec son Eleanor, Dano avec Zoé Kazan —, et surtout un sens tout américain de l’histoire, qui se trouve élevée à un registre épique, où les personnages sont mis en avant comme s’ils étaient des monuments parlants capables de résumer toute une époque. En effet, Carey Mulligan, Jake Gyllenhaal et le jeune Ed Oxenbould — une découverte convaincante — assument une fonction symbolique en incarnant les figures prototypiques de, respectivement, la mère, le père, l’enfant.
Dans un récit très bien monté — il s’agit d’une adaptation du roman du même titre de Richard Ford (1990) — le drame familial se déroule en passant de la représentation du modèle idéal et stéréotypé de la famille à une analyse de ses dynamiques, qui devient bientôt déconstruction voire destruction. Les coups de scène se succèdent habilement dans une atmosphère qui souvent demeure étrangement calme, où les moments de grande tension sont exprimés plus par les silences et le choix des plans que par les mots. Dans ces moments, il est presque toujours question d’action : faire une erreur, omettre, prendre l’initiative, se décider, partir, céder, revenir.
Grâce également à une performance superbe des acteurs, ce film assez mûr pour un réalisateur qui en est à sa première expérience se révèle alors non seulement une réflexion sur la famille américaine, tiraillée entre pressions sociales et pulsions individualistes, mais aussi une démonstration cinématographique de la centralité de l’action, au sens de l’acte, du geste, avec ses hésitations et donc sa force, qui peut s’avérer incontrôlable et destructrice.
Wildlife | Film | Paul Dano | USA 2018 | 104’ | Zurich Film Festival 2018
Screenings in June-July 2019 at Kino Cameo Winterthur and Stattkino Luzern
Sibel
ONLINE STREAMING (Switzerland) on Filmexplorer’s Choice by filmingo.ch
Rebellin wider Willen
Ein Wolf im Wald. Ein Mädchen, das nicht dazugehört, und ein Brautfelsen, an dem seit Generationen Frauen mit Feuerritualen ihr Glück beschwören. Es sind das märchenhafte Zutaten, die das Regisseurspaar Çagla Zencirci und Guillaume Giovanetti in ihrem Film Sibel verwenden. Im Mittelpunkt steht eine junge Frau, die sich nur in ihrer regionaltypischen alternativen Pfeifsprache mit ihren Mitmenschen verständigen kann. Seit Sibel als Kind verstummte, ist sie in ihrem türkischen Bergdorf zur Aussenseiterin verdammt, und doch ist sie stark an die Dorfgemeinschaft gebunden. Nicht nur durch die tägliche Arbeit auf Teeplantagen und Maisfeldern, sondern auch emotional. Das Mädchen sucht Anschluss, will im Dorf anerkannt werden – vor allem unter den Frauen. Sibel wird so eher zu einem Sozialdrama als zu einem modernen Märchen.
Zencirci und Giovanetti stellen in ihrem Film eine kleine Dorfgemeinschaft vor, in der die soziale Kontrolle durch gesellschaftliche Zwänge aufrechterhalten wird. Als solcher ist wohl auch die kursierende Angst vor dem Wolf zu verstehen. Um das Dorf vor der ewigen Bedrohung zu befreien, unternimmt Sibel Streifzüge durch den Wald. Wir sehen ihr dabei zu, wie sie sich nach getaner Arbeit davonstiehlt, routiniert ihre hellbauen Ballerina-Schuhe gegen rote Gummistiefel tauscht und mit einer Flinte bewaffnet die Wälder am Fuss des Brautfelsen durchstreift. Doch anstatt des Wolfs trifft sie Ali, der sich auf der Flucht vor dem Militärdienst befindet. Er wird zur verhängnisvollen Projektionsfläche, sie zur Komplizin. Hier kommt für einen kurzen Moment die politische Gegenwart der Türkei ins Spiel. Wollen die Regisseure im Kleinen kommentieren, was im Grossen und Ganzen vorgeht?
Als Hauptfigur ist Sibel schön, aber nicht gefällig. Sie ist in ihrer Verletzlichkeit widerspenstig und dadurch durchaus sympathisch. Als Charakter bleibt sie aber leider in ihrer Sprachlosigkeit gefangen. Ihr Schauspiel wirkt etwas zu eindimensional und wild, als dass man eine wirkliche Nähe zur tragischen Heldin Sibel aufbauen zu könnte. In Märchen siegt das Gute immer über das Böse. Sibel ist ein Film über eine Rebellin wider Willen, die es vielleicht nicht schafft, sich allen Zwängen zu widersetzen, der es am Ende aber gelingt, eine Tradition für sich zu einzunehmen. Sibel entfacht ein Feuer am Fusse des Brautfelsens, für sich und für die anderen Frauen im Dorf.
Sibel | Film | Çagla Zencirci, Guillaume Giovanetti | TK-FR-DE-LU 2018 | 95’ | Locarno Festival 2018
Rafiki
ONLINE STREAMING (Switzerland) on Filmexplorer’s Choice by filmingo.ch
La réalisatrice kényane Wanuri Kahiu s’était fait remarquer à Sundance avec son court-métrage Pumzi, une fable de science-fiction qui avait pour décor un Kenya post-apocalyptique. Elle porte cette fois à l’écran l’histoire d’amour proscrite entre deux jeunes femmes. Un long parcours du combattant pour la cinéaste qui explique qu’elle est parvenue à réunir les fonds de financement du film (adaptation de la nouvelle Jambula Tree) après sept longues années.
Dès les premières scènes du film, la figure de proue d’une buvette de quartier, Mama Atim, donne le ton. Dans la ville, les ragots vont vite, très vite. Lorsqu’au détour d’une rue Kena (Samantha Mugatsia) rencontre l’expansive Ziki (Sheila Munyiva) et en tombe presque immédiatement amoureuse, on s’attend à ce que l’opprobre s’abatte sur le couple, qu’il soit séparé et qu’au sentiment de plénitude se substitue la béance du manque. Pour ne rien arranger, Kena et Ziki sont les deux filles de candidats aux élections locales. Deux clans s’affrontent, et voilà que frappe à nouveau la puissance de feu shakespearienne ! Dans la cour d’une boîte de nuit, ou à l’arrière d’un van parqué au milieu de nulle part, le couple se cherche un espace d’intimité.
Dès lors, on s’abandonne facilement au charisme des deux protagonistes. Wanuri Kahiu s’autorise très gros plans et ralentis lorsque les deux amoureuses se rejoignent et brusque la mise en scène à l’aide d’une caméra portée frénétique lorsqu’elles sont violentées. À noter que la palette de couleurs pastel et pop de l’image de Christopher Wessels participe au langage cinématographique exubérant de Rafiki, ce qui n’est pas pour nous déplaire. Même s’il peut être associé à un tour de passe-passe dramatique, le chassé-croisé qu’entraîne le combat intérieur des deux filles fonctionne. En réaction à l’environnement qui leur est hostile, chacune à leur tour, Kena et Ziki vont se repousser. Kena ira jusqu’à dire sur le ton du reproche à Ziki : « tu n’es rien d’autre qu’une simple et typique fille kényane ».
Après avoir été autorisé sept jours, Rafiki reste interdit de diffusion au Kenya en raison « de son thème homosexuel et de son but évident de promouvoir le lesbianisme, ce qui est illégal et heurte la culture et les valeurs morales du peuple kényan » — selon le Kenya Film Classification Board. Si les pleins feux ont été mis sur le métrage en raison des rebondissements liés à son interdiction, ce dernier vaut le détour — bien qu’il repose davantage sur l’alchimie entre les deux actrices, dont on peine à croire qu’il s’agisse de leur première expérience devant la caméra, que sur le brio d’une mise en scène en réalité très conventionnelle.
Rafiki | Film | Wanuri Kahiu | KEN-ZA-DE-NL-FR-NO-LB 2018 | 83’ | ZFF 2018, Everybody’s Perfect Genève 2018, Human Rights Film Festival Zurich 2019
Twarz
Twarz, translated as “mug”, explores more than just the deformation of Jacek’s face (Mateusz Kosciukiewicz) after his tragic, yet miraculous survival of an accident on a construction site. It is seen as nothing short of a miracle in the eyes of his deeply catholic village, as he falls backwards into the giant body of Christ, a statue built with the people’s unrivalled devotion, Polish nationalism and their absurd expression of religiosity. Jacek loses not only his face but his fiancé (Malgorzata Gorol) who cannot see past his deformity, nor beyond her mother’s myopic prejudices, despite the transplant and his subsequent notoriety.
The film humorously unveils the degree of superstition and lack of education reflected in the archaically shared belief system of the villagers. Exorcisms and ecclesiastic evaluations of where Christ should be looking or showing his “best side” punctuate other more stylised scenes of awkward and inappropriate dancing to bad 90s dance music and death metal. A touching sense of family is felt between Jacek and his older sister (Agnieszka Podsiadlik) who is a cynical and clever figure remonstrating against the odd dynamics of his other relations. We also watch Jacek face (in another sense) the cruelty of the State in its unsympathetic demands for him to return to work uncompensated. A somewhat limited life worsened.
There is an interesting use of focus that foregrounds the faces of the figures of whom the camera invites us to look at, fuzzing out the edges and background into an undifferentiated haze. Is the face the only way that one can constitute love, understand another or find a deep spiritual connection? Are we still looking for icons? Perhaps on or beyond the LCD widescreen as the opening scene – looking more like the “Last Judgment” than a product sale – attests. Writers Michal Englert and Malgorzata Szumowska make light of such questions but explore them astutely all the same.
Twarz - Mug | Film | Malgorzata Szumowska | PL 2018 | 91’
White Sun
ONLINE STREAMING (Switzerland) on Filmexplorer’s Choice by filmingo.ch
There is a corpse, that of a deceased father, and the story that unfolds in White Sun is entirely concerned with the problem of how to deal with this corpse. At the same time, it immediately becomes clear that this situation is also speaking of more general issues and concepts that one must reckon with in life: how to deal with the past, with authority, with traditions, and with a national identity in a moment of rapid transformation. The divide between the importance of respecting traditional rites and the practical problems concerning the disposal of the corpse, which would require more pragmatic solutions, creates the fundamental tension and the dramatic drive of the story. This is all intended to exhibit the divide between tradition and modernity, or traditionalism and modernization – that finally amounts also to be the difference between the countryside and the urban world. The corpse and the division it creates represent the burden of the recent civil war in Nepal as well as the difficulty of finding a compromise between the strong ancient identity bound to an unjust society of casts and the often deceiving democratization bound to the bureaucratic logic of the Maoist party. It is probably the white sun itself, displayed on the Nepalese flag, that has become a corpse that must be dealt with.
Deepak Rauniyar wants to gather all of this information into a simple intelligent story, which has the intention of describing or even explaining the socio-political complexity of contemporary Nepal – not without a touch of humour. Even if the story may be a bit conventional at times, one cannot help but recognize the complexity of the picture Rauniyar is able to convey. With a very diplomatic solution, he succeeds in criticizing all of the parties while also showing their fundamental humanity. Through a genuinely “secular” gaze, the main target is the rigidity of ideology: both in a religious and political context. The signs of hope come more from the excluded women and even more from the newer generation: in the end, the children will be the only ones able to solve the problem of the corpse…
One could criticize the almost didactic use of metaphors and the general descriptive attitude of this cinema, but one must not forget how relatively young Nepalese independent cinema is – that is, independent of Hollywood or Bollywood models. To this respect, White Sun has to be seen as a self-reflective identity drama in which the identity of Nepalese cinema and that of Nepal itself melt together in an attempt to create a new geography and new narratives.
White Sun | Film | Deepak Rauniyar | NPL-QAT-NL-USA 2016 | 98’ | FIFF 2017
