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Les dépossédés
For those who were still sceptical, Les dépossédés (The Dispossessed) provides the ultimate evidence to prove that the question of land and soil is really the most serious and urgent one in the international agenda. This is not the first documentary work to focus on the issue, but with his film project Mathieu Roy was able to gather the most striking examples from very different countries including Congo, India, Switzerland, Canada or Brazil, and to show how the aligned interests of multinational companies and of corrupted politicians is producing the most impressive phenomenon of expropriation in history. This amounts to the disappearance of rural economies and the saturation of agriculture with chemicals, the consequences of which include not only the general degradation of the quality of food and the environment, with tragic aftereffects on the health of the people, but also the destruction of the social structures and the local identities, brought about also through the quickening of urbanization. It is about the loss of the ability to be independent and autonomous through small-scale agriculture; thus, it is about a highly political question.
After zipping through the prologue at a chocking tempo, Roy takes ample time to let the documented images display their own power. Even if the cinematography favours direct confrontation with the subject more than the beauty of the picture, the force of Les dépossédés is in the rare clarity and precision of the explanations of the complex economic and societal dynamics, for which Roy’s casting should be strongly praised. In addition, the global dimension of the phenomenon and the noteworthy similarities between the developing countries and the richer Western countries affect the spectator with a powerful call to action. (GDS)
Les dépossédés | Film | Mathieu Roy | CAN-CH-FR 2017 | 90’
Screenings in Swiss cinema theatres
#FEMALE PLEASURE
«Was denken Sie über weibliche Lust und gleichgeschlechtliche Liebe?» – «Wir sind nicht in der Stimmung darüber nachzudenken». So verweigert der ältere hinduistische Priester jegliche weitere Diskussion. Eigentlich ist es lustig, wie er sich herauszuwinden versucht im Film #FEMALE PLEASURE, der erstmals zu sehen war in der Dokumentarfilm-Sektion von Locarno. Gleichzeitig ist es ein Armutszeugnis und steht für das Problem, dem sich die Schweizer Filmemacherin Barbara Miller (Forbidden Voices, 2012; Klitoris, 2005) angenommen hat: Weibliche Lust und deren weltweite Dämonisierung – insbesondere durch patriachalisch geprägte Weltreligionen.
Miller porträtiert, in einer didaktischen und traditionellen Struktur, fünf gestandene Frauen. Der Film lebt von diesen Protagonistinnen, die aus strenggläubigen Familien je einer Weltreligion stammen und damit gebrochen haben. (Scham-)Haarsträubend, welche Unterdrückungsmechanismen sich im Namen weiblicher Reinheit und Reproduktionslogik herausgebildet haben: So wird in der jüdischen Hochzeitsvorbereitung die Vagina als «schöner Flur für neues Leben» bezeichnet. Im katholischen Kloster erhielten Nonnen übergrosse Unterkleider mit dem Kommentar «Das tragen wir für unsere Mitbrüder» – zu Vergewaltigung kam es dennoch. Oder man erfährt von der Verhaftung der buddhistisch-schintoistischen Japanerin Rokudenashiko wegen einem 3D-Print ihrer Vagina. Penisparaden oder Porno zum Thema Kindervergewaltigungen sind in Japan aber erlaubt. Der somalisch-englischen Therapeutin Leyla Hussein folgt man bei ihrer weltweiten und geschlechterübergreifenden Aufklärungsarbeit zum Thema Genitalverstümmelung.
#FEMALE PLEASURE von Miller ist ein Film voller luzider, inspirierender Aussagen. Eine der wertvollsten Botschaften: Zur Entdämonisierung der weiblichen Lust braucht es die Zusammenarbeit mit den Männern. Was leider thematisch nach dem Filmanfang auf der Strecke bleibt, ist die Rolle der, wenn man so will, Religion der Gegenwart, dem Kapitalismus. Denn dieser produziert tagtäglich eine unglaubliche Bilderflut von Frauenkörpern, die wiederum zum Lustobjekt reduziert werden. (Locarno Critics Academy 2018, Katja Zellweger)
#FEMALE PLEASURE | Film | Barbara Miller | CH-DE 2018 | 97‘ | Locarno Festival 2018, Semaine de la critique
Prix Zonta Club Locarno at Locarno Festival 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Zone rouge
Une maison et une rencontre d’anciens camarades d’école : le parfait setting cinématographique pour un drame fait de règlements de compte, de secrets qui remontent à la surface, de traumatismes qui ne peuvent pas être soignés. Pour Zone rouge, Cihan Inan utilise abondamment le procédé de l’allusion significative, qui s’applique aux objets, aux phrases, aux gestes, quelquefois en alourdissant un Kammerspiel qui cherche à tout prix le suspens. Chaque élément du scénario renvoie aux morceaux cachés d’un puzzle qui renvoie lui-même à une « zone rouge » indéterminée où crime, perversion et sexe se proposent d’exercer leur force d’attraction. Cette dramaturgie du renvoi se nourrit d’un dispositif que j’oserai qualifier de wagnérien, car tout pic dramatique se trouve systématiquement suspendu et retardé. À ce dispositif particulier, l’excellent montage de Kaya Inan se prête avec bravoure : il s’agit souvent d’un montage dynamique, donc bien visible, qui pousse le spectateur à devenir presque le dernier acteur sur scène.
La katastrophè finale, par contre, ne me semble pas être à la hauteur des prémisses séductrices et des promesses scabreuses de l’histoire. Le drame se dégonfle en nous laissant une sensation de fatigue, après nous avoir fait suivre un dispositif attirant mais également compliqué. Plus que pour l’histoire dans son ensemble et dans ses significations, Zone rouge nous restera gravé dans la mémoire surtout pour son style. Un style qui se nourrit d’une sensibilité aiguë et fortement poétique aux détails, pour laquelle la caméra de René Richter mérite vraiment beaucoup de louanges. En faisant preuve d’intelligence et de finesse à la fois, cette caméra aux perspectives toujours expressives s’allie à la performance incisive d’un casting fort convaincant. Malgré une écriture peut-être plus théâtrale que cinématographique, les acteurs démontrent, par exemple, une grande maîtrise des silences, qui d’ailleurs constituent un Leitmotiv important de ce drame en huis clos. (GDS)
Zone rouge | Film | Cihan Inan | CH-DE 2018 | 90’ | Zurich Film Festival 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
A Long Way Home
Zwei bildende Künstler (die Gao Brothers), ein Choreografin und Tänzerin (Wen Hui), ein Animationskünstler (Pi San) und ein Poet (Ye Fu): Das ist Luc Schaedlers aussergewöhnliches Casting für sein Porträt einer Generation, die eng mit den Hoffnungen und Ereignissen am Tiananmen-Platz verbunden ist. Es ist auch die Generation, die die Lücke zwischen dem vorkommunistischen China und den frischen Energien der neu aufkommenden Generation füllen kann. Die komplexen und in die Tiefe gearbeiteten Biografien werden durch eine sorgfältige Montage als Ergebnis einer langen Forschungsarbeit geliefert: Deshalb sind die fünf künstlerischen Protagonisten weit davon entfernt, mediatisierte Stars mit einer einfachen und popartigen Beschuldigung zu sein – wie im Fall des gefeierten Ai Weiwei.
Schaedler zieht es vor, die persönliche Ebene hervorzuheben, in der die Künste nicht nur das Instrument sind, um eine politische Botschaft zu vermitteln, sondern auch eine Erfahrung des Widerstands gegen die Homogenisierung einer standardisierten Kultur. In diesem Sinne nimmt die körperliche Erfahrung der Choreografin Wen Hui wohl die paradigmatischste Rolle ein, insofern als sie die physisch-existenzielle Dimension der künstlerischen Arbeit perfekt zum Ausdruck bringt. Schaedlers reifer und gut komponierter Dokumentarfilm schildert auf diese Weise die besondere Situation Chinas, spricht aber zugleich für eine universellere Situation. (GDS)
A Long Way Home | Film | Luc Schaedler | CH 2018 | 73’ | Solothurner Filmtage 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Walden
Wenn sich alles um den Wald dreht
Ein Film ohne Darsteller, ohne Erzähler und ohne eine einzige statische Bildeinstellung. Der Schweizer Filmemacher und Künstler Daniel Zimmermann erhebt in seinem Dokumentarfilm Walden die Methode der 360-Grad-Aufnahme zur leitenden Erzählinstanz. Seine Kamera bleibt ständig in Bewegung, sie hält konstant die Geschwindigkeit und dreht immer in dieselbe Richtung. Als sei sein Vorbild der Lauf der Welt, entwickeln sich auch in Zimmermanns Film die Bilder unaufhaltsam weiter. Indem seine Parameter, Richtung und Geschwindigkeit der Aufnahmen, gleich bleiben, stellt sich beim Betrachter bald eine neue Sehgewohnheit ein. In den weiten Aufnahmen sucht man nach der Erzählung und wird fündig.
Es ist ein Dreh um die Welt, der eigentlich nur den Weg einer einfachen Palette Holz nachzeichnet. Zimmermann beginnt seinen Film in österreichischen Nadelwäldern, hier wird ein Baum gefällt. Mit einem Gabelstapler führt er uns raus aus dem Wald, dann geht es weiter über Schienen zu Strassen, die letztlich über Land und Wasser tief in weit entfernte brasilianische Mangrovenwälder führen. Jeder Schnitt und jedes neue Panorama markiert eine Etappe in der Produktions- und Handelskette der Ware.
Zimmermanns Aufnahmen sind poetisch und doch klar. Er beweist mit seinem Film ein hohes Mass an Sensibilität für Raum und Bewegung, denn selbst die Anfahrt eines Gabelstaplers entwickelt hier Anmut und erscheint einem wie eine einstudierte Choreografie. Und doch hält Zimmermann seine Kamera immer auf Distanz, setzt falsche Fährten. Wenn die Kamera beispielsweise ganz nebenbei ein Frachtschiff einfängt, das eine Hebebrücke passiert. Auf der Zufahrt der Brücke stehen Fahrzeuge. Die Bewegung folgt aber nicht den Automobilen, sondern sie folgt weiter dem grossen Schiff – selbst als dieses hinter Industriebauten verschwindet und nur noch die Geräuschkulisse und die Kamerabewegung seine Präsenz aufrechterhalten.
Walden ist ein Experimentalfilm, der seinem Publikum Aufmerksamkeit abverlangt, der aber durch sein stringentes Setting auch eine hypnotische Wirkung entfalten kann. Nebenbei schafft Zimmermann es, unangestrengt die absurden Ausmasse unserer heutigen globalen Handelsbeziehungen aufzuzeigen. Daniel Zimmermann gewann mit Walden beim Zurich Film Festival den Förderpreis für den besten Schweizer Film im ganzen Programm 2018. (SP)
Walden | Film | Daniel Zimmermann | CH-AT 2018 | 107’ | Zurich Film Festival 2018
Documentary Special Jury Prize at Karlovy Vary International Film Festival 2018
L'île sans rivage
Avec la lecture du travail d’Andreas Teuscher Schweiz am Meer (Limmat, Zürich 2014), j’avais découvert l’extraordinaire projet d’une canalisation complète de la Suisse, qui aurait permis d’en faire un hub maritime international. Le documentaire de Caroline Cuénod va encore plus loin dans la découverte de la fascination de la Suisse pour la mer, en nous révélant comment elle est effectivement une puissance maritime, encore aujourd’hui. Si les projets de canalisation ont été l’expression dramatiquement tardive de l’époque déclinante du transport fluvial, l’histoire de la flotte marine suisse se concrétise pendant la Deuxième Guerre mondiale pour garantir l’approvisionnement de la Suisse et se poursuit dans une époque, la nôtre, où les intérêts commerciaux ne sont désormais plus toujours dépendants de la géographie. Grâce à la précieuse collaboration de l’historien Pietro Boschetti, Caroline Cuénod reconstruit avec précision et non sans une touche d’humour une pièce fondamentale et largement ignorée de l’histoire, jusqu’à montrer la persistance d’un récit défensif — frôlant peut-être la paranoïa — chez l’OFAE (l’Office fédéral pour l’approvisionnement économique du pays, qui est responsable des stocks alimentaires et pharmaceutiques), mais aussi à valoriser l’impact économique et culturel du port de Bâle. Grâce à ce documentaire bien monté, très informatif et passionnant, nous avons l’impression que cette île sans rivage qu’est la Suisse est aussi capable d’apprivoiser l’improbable. (GDS)
L’île sans rivage | Film | Caroline Cuénod | CH 2018 | 75’ | Solothurner Filmtage 2018
Screenings at Kino Rex Bern in September 2018
Der Klang der Stimme
Der Klang der Stimme: Durch die Neue Musik sind wir schon lange daran gewöhnt, die Stimme des Klangs zu erforschen; Das Klanguniversum, das Bernard Weber für uns vorstellt, offenbart einen umgekehrten Ansatz: die Klänge zu analysieren, zu denen die Stimme fähig ist. Wenn „Analyse“ und „Vielfalt“ zwei grundlegende Merkmale dieses Dokumentarfilms sind, ist die wissenschaftliche Perspektive auf die Stimme nur einer der vier Leitfäden dieser Untersuchung der physiologischen, psychologischen und sozialen Aspekte der menschlichen Stimme. Vier Leitfäden – wissenschaftlich, therapeutisch, musikalisch und künstlerisch –, die wiederum durch vier aussergewöhnliche Persönlichkeiten verkörpert werden: den Physiologen Matthias Echternach, die Stimmtherapeutin Miriam Helle, die Sängerin Regula Mühlemann und den Vokalkünstler Andreas Schaerer. Und dieses Casting zeigt Webers sorgfältige Forschungsarbeit und filmische Intelligenz. Der auffälligste und überzeugendste formale Aspekt dieses Films ist sicherlich die Montage, welche die Pluralität bewertet und trotz der vielen didaktischen oder demonstrativen Szenen ein schnelles und attraktives Tempo behält.
In der explorativen Konstellation des Films entpuppt sich das Thema der „Stimmbefreiung“ als das stärkste – dafür ist die Rolle der Stimmtherapeutin sicherlich ausschlaggebend – und damit steht die Erfahrung des Betrachters von Der Klang der Stimme ganz im Zentrum. Für uns geht es um die Information, das Staunen, die Empathie, bis zum mimetischen Bedürfnis, unsere Stimme gleichzeitig als ausdrucksvolles und intimes Instrument des Alltags wiederzuentdecken. Diese besondere, auf den Zuschauer ausgerichtete Aufmerksamkeit macht den Film von Bernard Weber zum wohlverdienten Publikumspreisträger der Solothurner Filmtage 2018. (GDS)
Der Klang der Stimme | Film | Bernard Weber | CH 2018 | 82’ | Solothurner Filmtage 2018
Prix du public at Solothurner Filmtage 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
L'Apollon de Gaza
Avec L'Apollon de Gaza, le cinéaste genevois Nicolas Wadimoff propose un documentaire des plus étonnants. En octobre 2003, au bord d'une plage de Gaza, un pêcheur tombe sur une statue d'Apollon haute d'un mètre quatre-vingts. Cette apparition, déjà mystérieuse en elle-même, va donner lieu à toutes sortes d'interrogations. D'où vient-elle? Est-elle restée enfouie dans la mer depuis des millénaires? A-t-elle été déposée là par des bédouins venus d'Egypte?
Sans apporter de réponse définitive, le film prend soin au contraire de multiplier les points de vues, en les présentant de manière à surprendre le spectateur, un discours venant en contredire un autre. Les différents témoignages – un imam, des historiens, des conservateurs d'art, des habitants – soutiennent des intérêts contradictoires, culturels et historiques pour les uns, pécuniaires pour les autres. Sauf que la situation géopolitique de la bande de Gaza, le manque d'argent à investir dans la restauration de la statue, l'embargo français vont, temporairement du moins, mettre fin à toutes ces projections. Apollon disparaît soudainement, sans laisser de traces. S'agit-il d'un complot du gouvernement? Des militaires? D'une famille ? On ne saura jamais.
A travers L'Apollon de Gaza, c'est aussi le présent de Gaza qui s'offre au spectateur, grâce aux images saisies sur le vif, de la ville, de son délassement, de ses habitants… D'autres plans, plus travaillés, dévoile la beauté du lieu, de la mer, de ses voiliers ou des monuments historiques. La statue ne sera jamais filmée directement, mais seulement par la médiation de photographies numériques, de discours à son propos ou par une voix fantasmée du Dieu de la beauté. Créant un discours mythologique, où le vrai se distingue difficilement du faux, Nicolas Wadimoff semble dès lors saisir cet événement comme l'occasion d’inventer une nouvelle histoire, de même qu'un nouveau passé à la ville de Gaza, détruite par la guerre. (Locarno Critics Academy 2018, Sabrina Schwob)
L'Apollon de Gaza | Film | Nicolas Wadimoff | CH-CAN 2018 | 78’ | Locarno Festival 2018, Semaine de la critique
Des moutons et des hommes
Karim Sayad nous montre Bab El Oued, un quartier populaire au nord d’Alger, en se concentrant exclusivement sur une activité à l’apparence marginale : l’entraînement de moutons pour le combat. Par les moutons nous découvrons ainsi un monde exclusivement masculin où le jeu, l’honneur et la victoire animent les esprits et structurent une société pauvre qui semble ne pas pouvoir réaliser ailleurs ses honneurs et ses victoires. Il n’y a pas de jugement dans le travail documentaire de Sayad, ni par les mots ni par le montage. Le choix de se concentrer sur deux personnages en particulier, Habib et Samir, respectivement au début et à la fin de l’âge adulte, permet d’embrasser ce phénomène sociétal en touchant tous ses aspects. Dénonciation du paupérisme, des injustices sociales, du manque de perspectives, ou d’une lassitude culturelle : tout demeure à l’état d’hypothèse dans Des moutons et des hommes, car ce film nous donne très peu d’éléments d’explication ou de contextualisation, et privilégie l’immersion. Peut-être trop peu informatif pour un documentaire à la caméra sans prétentions esthétiques particulières, le film nous met face à la relation physique entre homme et mouton, plus qu’à ses significations. Mais on trouvera justement ici la force Des moutons et des hommes : exercice de pouvoir et affection, esclavage et humanisation, la relation de l’homme à l’animal ressort dans toute sa complexité, justement en faisant abstraction du contexte, et en nous poussant à un retour à la dimension la plus basique, sincère et cruelle de l’humain. (GDS)
Des moutons et des hommes | Film | Karim Sayad | CH-FR-QAT 2017 | 78’ | Solothurner Filmtage 2018
Prix de Soleure 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Gotthard - One Life, One Soul
«I’ve been waiting all my life for the sun to make it mine…»: Mit diesen Worten beginnt der legendäre Song «One Life, One Soul» der Gruppe Gotthard. Der Songtitel wiederum gibt nun der Dokumentation von Kevin Merz, die am letzten Locarno Festival auf der Piazza Grande Premiere hatte, den Namen Gotthard – One Life, One Soul. Diese Geste könnte nicht besser für Merz’ Intention und das Lebensmotto von Leo Leoni, dem Mitbegründer und Gitarristen, sprechen. Gotthard gehört wohl zu den erfolgreichsten Hardrock-Bands der Schweiz der 1990er-Jahre. Unter den Fingern von Chris von Rohr gelangt die Band damals auch zu ansehnlichem internationalem Erfolg, nicht zuletzt auch durch die unverkennbare Stimme des Frontsängers und Mitbegründers Steve Lee, der 2010 unerwartet bei einem Motorradunfall sein Leben liess.
Kevin Merz ist jedoch nicht an einer verherrlichenden Erfolgsstory oder dem tragischen Nacherzählen des Verlustes eine Bandmitgliedes interessiert, vielmehr gilt sein Augenmerk dem Schwerpunkt «one life, one soul» – ein Leben, eine Seele. Ähnlich wie in Peter Schlemihls wundersamer Geschichte, die danach fragt, wem gegenüber und wofür man bereit ist, seinen Schatten zu verkaufen ... Dem Film gelingt es, der fragilen Linie der Bandgeschichte mit Hochs und Tiefs nachzuspüren, und er scheut dabei nicht davor zurück, auch Brüche und Unstimmigkeiten zu zeigen. Durch eine geschickte Montage werden Archivmaterial, Aufnahmen von Livekonzerten und Interviews mit den Bandmitgliedern zu einem kohärenten Ganzen geschnitten. Es bildet sich eben dieser rote Faden heraus, dass – wie Leo Leoni es wörtlich ausdrückt – Erfolg nicht gleich Geld ist. Das könnte zu einfach, ja zu banal wirken, wäre da nicht der charismatische Gitarrist Leo Leoni, dem man diese Haltung gerne abnimmt. Am Ende des Films bleibt er als unverfälschbarer, gradliniger Gitarrist im Fokus, der mit Passion für seine Überzeugung einsteht. Kevin Merz überlässt es der/dem Zuschauer*in, ob man sich dann doch lieber einer trauernden Fangemeinde zugehörig fühlen möchte oder proaktiv nach vorne schaut, auch wenn die Gruppe Gotthard nicht mehr ganz dem Zeitgeist entspricht ... Was vom Film – und von der Band – zurückbleibt, ist diese unbeugsame Kraft und Energie, ein selbstbestimmtes Leben zu führen, von der man sich doch gerne beflügeln lässt. (RB)
Gotthard – One Life, One Soul | Film | Kevin Merz | CH 2017 | 95’ | Locarno Festival 2017
Screenings in Swiss cinema theatres
La fureur de voir
Comment les autres voient-ils les choses ? Voyons-nous les mêmes couleurs ? Qui peut dire que je ne peux pas voir ce que je crois voir ? Autour de ces questions potentiellement philosophiques, Manuel von Stürler construit un film qui raconte son point de vue ou, mieux, l’expérience de ses dysfonctionnements de la vue.
Non sans ironie, La fureur de voir devient pour tout un chacun un voyage d’initiation au fonctionnement de la vue, quelquefois une enquête scientifique presque didactique mais fort utile, qui nous apprend la dimension hautement constructive de la vue, où l’esprit, les habitudes, l’histoire et la société jouent un rôle fondamental.
Von Stürler se tient avec rigueur à une caméra subjective, sans pourtant s’aventurer à une improbable traduction en image de sa propre vision troublée. La subjectivité est affaire de mots, de vécu, d’imagination, et ce sont ces derniers éléments qui décideront de la qualité de sa vision — et de la qualité du film. (GDS)
La fureur de voir | Film | Manuel von Stürler | CH 2017 | 84’ | Visions du réel Nyon 2017, Solothurner Filmtage 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Haarig
Anka Schmids neuster Film hat die Intelligenz, eine spezifische und ungewöhnliche Perspektive einzunehmen, um ihre eigene Geschichte zu erzählen: die Perspektive der Haare. Eine eingeschränkte Perspektive, die tatsächlich eine Erweiterung unserer Erfahrung bedeutet und die die Entdeckung einer Dimension des Körpers ermöglicht, welche sich als entschieden weniger marginal herausstellt, als es scheint. Haarig kreuzt persönliche Daten mit historischen: So wird mit der autobiografischen Geschichte auch die westliche Geschichte der Haare in den letzten Jahrzehnten erzählt. Deswegen ist das eigentliche Thema des Films die Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft, zwischen persönlichem Ausdruck und einer Kommunikation durch soziale Codes – ein Thema, das auch in der Aneinanderreihung von öffentlichen und privaten Archivbildern reflektiert wird. Mehr als für die Vertiefung des Themas überzeugt Haarig für seine formale Behandlung, durch die veranschaulichende Nutzung von Musik, die Verwendung einer humorvollen Off-Stimme und einer nie redundanten Animation. Die kompositorische Dimension des Films wird ständig hervorgehoben und verleiht dem Film die Frische und Dynamik eines Filmessays. (GDS)
Haarig | Film | Anka Schmid | Fantoche Baden 2017, Solothurner Filmtage 2018
Choisir à vingt ans
La Guerra di Algeria, prima, durante e immediatamente dopo. Ma è indirettamente che Villi Hermann ci racconta la follia fratricida di questa guerra, andando a scegliere le persone come lui, come lui a Parigi in quegli anni, persone che hanno scelto la diserzione, trovando tutti riparo in Svizzera, ma quasi tutti confrontati infine alla prigionia. Con il suo approccio personale, quasi intimo, Hermann racconta un pezzo di storia svizzera e semplicemente la storia di persone comuni e del loro gesto di resistenza civica, fino all’esperienza volontaria in Algeria nell’immediato dopoguerra, a cui Hermann in persona ha partecipato.
Uno degli aspetti più intriganti di questo film è il suo montaggio – firmato da Jean Reusser – che compone con intelligenza e senza semplificazioni un mosaico complesso alla cui fisionomia ultima ci avviciniamo lentamente, attraverso un discorso cinematografico di pura polifonia. (GDS)
Choisir à vingt ans | Film | Villi Hermann | CH-ALG 2017 | 100’ | Locarno Festival 2017 | Solothurner Filmtage 2018
Screenings at Solothurner Filmtage 2018
Köhlernächte
Entlebuch is a region rich with ancient traditions. Robert Müller helps us discover the method of making charcoal from wood, a handcrafted method that is truly an art and a science at the same time. The emphasis on the transmission of this know-how works particularly well in this film. It is not only a question of keeping traditions alive, for it places man in a symbiotic relationship with nature: the charcoal-making becomes a very modern alternative for energy production, and not just a curiosity restricted to folk museums. Müller’s realist depiction of this regional phenomenon is joined with a poetic treatment of the images – also thanks to Pio Corradi’s splendid camerawork –, which are accompanied by the exceptional work on the sound and by Fritz Hauser’s inspiring music. (GDS)
Köhlernächte | Film | Robert Müller | CH 2018 | 93’ | Solothurner Filmtage 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
La disparition des Aïtus
Tuvalu: un État qui disparaît lentement sous l’eau, dont on a déjà eu récemment une belle documentation avec _ThuleTuvalu_ de Matthias von Gunten. Si dans ce dernier un discours engagé dénonce, témoigne et illustre, le court-métrage de Pauline Julier opte pour un tout autre angle de vue, en mettant au centre du récit filmique la légende des Aïtus, également en train de disparaître de la mémoire collective. Il s’agit au fond d’une autre revendication, non pas celle liée à la catastrophe environnementale, mais celle qui défend la culture populaire comme âme du lieu, _genius loci_. Entre histoire coloniale et étude anthropologique, ce qui frappe dans _La disparition des Aïtus_, c’est la rigueur impressionnante du film, sa justesse, et sa richesse d’idées formelles. Le son et la musique, le style du récit, l’usage symptomatique des images, souvent plongées dans la nuit, l’essentialité du texte : chaque élément est soigné avec intelligence pour construire un langage original. Nous sommes heureusement loin du journalisme qui affecte si puissamment tant de films documentaires, et nous avons l’impression de retrouver une empathie pour le réel, certainement plus efficace que les descriptions documentaires qui poursuivent le mythe de la neutralité. L’enseignement de l’anthropologie, dont on oublie souvent la critique fondamentale de la prétendue neutralité de l’observation scientifique, anime cet essai filmique en lui donnant une grâce et une justesse précieuses.
La disparition des Aïtus | Film | Pauline Julier | CH 2014 | 35’ | Solothurner Filmtage 2016
Pauline Julier's Website
