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Madame
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Madame – Im Zeichen der Liebe zu sich selbst
Zu Beginn des Films, lackiert er seine Nägel schwarz – aus Protest, Trauer oder blosser Exzentrik? Er, das ist Stéphane Riethauser, seine Hände und seine Stimme aus dem Off leiten die Blicke der Betrachtenden im Dokumentarfilm Madame durch das Foto- und Videoarchiv seiner Familie. Stéphane hat gleich zwei bewegende Lebensgeschichten zu erzählen: die seiner Grossmutter Caroline, einer Matriarchin wider Willen, und die seines eigenen Coming-out in einer Familie mit grossen Erwartungen an den Erstgeborenen. Sicherlich ist es Glück, dass Riethauser auf wertvolles Bildmaterial, das in der Zeit weit zurückführt, zugreifen kann, und doch ist es seine geschickte Montage, die alles zu einem dichten und nahbaren Familienporträt werden lässt. Unkommentiert zeigte die Collage aus Familienfotos, Hochzeits-, Urlaubs-, Geburtstags- und Alltagsaufnahmen lediglich ein verklärt-harmonisches Bild der privilegierten Genfer Bourgeoisie. Doch dem ist nicht so, geleitet von Stéphane Riethauser als präsenten Erzähler beginnt eine mal schonungslos ehrliche, mal überspitzt ironisierte und doch immer um Selbstreflexion bemühte Reise in die Familiengeschichte der Riethausers.
Mit einer Mischung aus Bewunderung und Ehrfurcht nähert er sich dem Leben seiner Grossmutter. Als Tochter italienischer Einwanderer wurde Caroline als junges Mädchen zur Heirat gezwungen. Später musste sie, die geschiedene Mutter eines Kindes, hart für ihr Auskommen und schliesslich für den Erfolg arbeiten. Dieser wurde ihr von der damaligen Gesellschaft mit Missgunst und Spott vergolten. Der Reiz von Riethausers dokumentarischem Experiment liegt im Bruch zwischen Bild- und Tonebene. Erst durch seine Kommentare entstehen neue Kontexte – eine Erzählung, die sich der biografischen Chronologie entzieht und beide Lebensläufe geschickt miteinander verbindet. So kontrastiert er etwa die erschütternde Erzählung seiner Grossmutter von der schwierigen Zeit der Geburt ihres ersten Kindes, als sie alleingelassen und ohne eine gesicherte Existenz dastand, mit Videobildern aus Stéphanes eigener wohlbehüteten frühen Kindheit. Gleich darauf sehen wir den etwa dreijährigen Stéphane auf einem hübschen Pferdchen eines Kinderkarussells in warmem Herbstlicht schaukeln, musikalisch untermalt mit einer von Verdis erhabenen Opern.
Sehr viel härter geht Stéphane Riethauser mit sich selbst ins Gericht. Er zeigt einerseits den Erwartungsdruck seiner Familie und der Gesellschaft. Andererseits offenbart er die aus seiner jugendlichen inneren Zerrissenheit resultierenden misogynen und homophoben Gedanken. Riethauser gibt sogar Einblick in seine Tagebücher, die er als junger Erwachsener schrieb. Durch sie wird das Zwiegespräch, das er mit sich selbst über Jahre hinweg führte, am eindrücklichen sichtbar. Grossmutter und Enkelkind haben in ihrem Leben sehr unterschiedliche Widerstände überwinden müssen. Was sie verbindet, ist, dass sie gegen die Erwartungen ihrer Familien handeln mussten, um sich selbst treu zu bleiben. Und so besetzt letztlich auch die Beziehung zwischen ihnen die Hauptrolle im Film. Ihre Beziehung und ihre Freundschaft, ihre Gespräche und das Ausbleiben dieser, bis das Unaussprechliche schliesslich zutage kommt. Madame ist ein bewegendes Familienporträt, ein mutiges Zeitdokument und ein pointierter Appell an die Akzeptanz. Doch allem voran wird es nie zur selbstverliebten Nabelschau, sondern erzählt zwei Lebensgeschichten im Zeichen der liebevolle Suche nach sich selbst.
Madame | Film | Stéphane Riethauser | CH 2019 | 94’ | Visions du Réel 2019, Locarno Film Festival 2019
La fameuse invasion des ours en Sicile
Il film di animazione La famosa invasione degli orsi in Sicilia è rivolto ad un pubblico di ogni età. Infatti si basa sulla favola omonima di Dino Buzzati (1945) che sa catturare l'attenzione di grandi e piccoli, perché dotata di diversi livelli di lettura: una semplice fiaba che nasconde interpretazioni a livello sociale, politico, filosofico, molto attuali.
Non c'è un vero lieto fine: gli orsi affamati e in cerca del figlio del loro re, Leonzio, lasciano le montagne per scendere a valle, dove abitano gli uomini, ma sono respinti da loro con pregiudizio e ostilità, pur essendo innocui. Con apertura e resilienza gli orsi riescono a cavarsela e a trovare stratagemmi per sopravvivere, fino a riuscire a regnare pacificamente insieme agli uomini. L'equilibrio non dura, perché vizi e difetti degli uomini intaccano alcuni orsi, che alla fine decidono di ritornare ai monti.
L'illustratore Lorenzo Mattotti, sceneggiatore e regista del film, rimane piuttosto fedele all'omonima opera letteraria, realizzando una coproduzione italo-francese, che è un piacere per gli occhi, spumeggiante per l'inventiva, per la costante sincronizzazione del suono al movimento come nelle animazioni Disney dei primordi, per la rappresentazione di paesaggi, luoghi, oggetti, dettagli, tanto fantasiosi quanto ricchi di cromatismi, di riferimenti alla cultura siciliana e dell'Europa meridionale più in generale. Accentuano il lavoro di radicamento spazio-temporale le musiche originali di René Aubry, che utilizza anche strumenti del folclore siciliano per le sue composizioni, e le voci dei personaggi, affidate – nella versione italiana – a Andrea Camilleri (il vecchio orso), Antonio Albanese (Gedeone), Toni Servillo (Leonzio), Corrado Guzzanti (Salnitro).
La cura delle immagini, disegnate una per una con grande lavoro da un'équipe di professionisti (i movimenti dei personaggi animati sono stati costruiti a partire dall'osservazione di quelli degli attori scelti) ha realizzato quasi un piccolo capolavoro nel suo genere. Peccato che il regista abbia assecondato troppo spesso la dimensione spettacolare offerta dall'intreccio, lasciando spazio a scene di combattimenti, inseguimenti e mostri spaventosi di varia natura, di cui l'immaginario delle anime è purtroppo già pieno, e senza le quali il film non avrebbe affatto perso in innovazione e capacità affabulatoria.
La fameuse invasion des ours en Sicile | Film | Lorenzo Mattotti | FR-IT 2019 | 81’ | Fantoche Baden 2019
Screenings in Swiss cinema theatres
Wilcox
Qui est-il, un soldat sorti des rangs, en fuite, un esprit libertaire mû par quelque folie, un survivaliste ? Fait-il partie de ces hommes décidés à disparaître du monde, à la façon de Christopher McCandless, devenu personnage du film de Sean Penn, Into the Wild (2007) ?
Ici, cet homme d’une trentaine d’années porte équipement de soldat, sans arme cependant ; il marche au jour le jour avec une énergie rageuse au travers de paysages déserts et sauvages. L’automne approche. Le film trace son parcours de solitude, émaillé de rares rencontres et menus larcins, en une geste en vaine quête de sens. Denis Côté, cinéaste québécois auteur de récits énigmatiques et souvent marqués de violences (voir Curling, 2011 et Vic et Flo, 2013), ne révélera rien des motivations de ce personnage, ni de son passé, ni de ses projets. Tourné avec moins de 15 000 dollars en équipe très réduite, résolument en dehors des circuits de production établis, le récit est résolument énigmatique et d’une progression faisant l’économie de tout événement saillant.
La présence à l’image de Wilcox, son nom sur sa vareuse, son corps, son visage impassible, même lors de la crise de larmes qui l’étreint, témoignent étrangement d’une absence au monde dans lequel il cherche refuge, dans une cabane, un bus abandonné, et dont il prend la fuite. Il porte attention à sa condition physique et s’entraîne aux gestes de combat en vue d’une hypothétique survie, mystère. La partition sonore du film participe de cette dramaturgie à double détente. Wilcox est ancré de façon réaliste dans la nature dont les sons, les bruits de ses pas sur le sol, déclinent leur riche variété d’effets naturels. Par ailleurs, à ces séquences répond une partition musicale minimaliste signée Roger Tellier Craig, qui instille au creux du film une atmosphère d’étrangeté, de méditation anxieuse.
Rares sont les cinéastes qui sollicitent ainsi leurs spectateurs sans leur proposer une identification empathique avec un personnage principal. Ce gars-là est une figure abstraite, habitée d’énergie vitale et de désespérance mortifère, sur laquelle nous n’avons pas de prise. Point d’empathie sollicitée par Denis Côté, mais une provocation roborative à nous interroger quant à nos solitudes contemporaines.
Wilcox | Film | Denis Côté | CAN 2019 | 66’ | Locarno Film Festival 2019
Ivana the Terrible
«Deine Probleme sind hier», sagt der Vater und zeigt seiner Tochter Ivana den Vogel. «Ivana the Terrible» ist zu ihrer Familie in die serbische Kleinstadt Kladovo heimgekehrt und überfordert sie mit ihrer gereizten, hypochondrischen Art. Die Konflikte treten plötzlich auf, eskalieren schnell, doch legen sie sich gleich wieder. Die Regisseurin Ivana Mladenović verarbeitet in ihrem semiautobigrafischen Spielfilm ihre eigene Lebenssituation und lässt dafür ihre eigene Familie vor die Kamera treten. Nur anhand eines losen Skripts wurden gewisse reale Situationen in eine Fiktion gesponnen, um dann von der Familie halb improvisiert gespielt zu werden. Alles, was in dem Film passiert, ist so oder hätte so geschehen können. Im Mittelpunkt steht zweifelsohne sie selbst: Ivana Mladenović ist Autorin, Regisseurin und Schauspielerin zugleich. Durch ihre Erscheinung befördert, umgibt die Figur ein trügerisch mädchenhafter Charme. Meist trägt sie Turnschuhe und sehr kurze Hosen, darüber ein lockeres T-Shirt und einen Eastpack-Rucksack in Weinrot. Ihre Haare fallen brav über die Schultern. Mit grossen, unsicheren Augen macht sie sich auf, um in die von ihr entfremdete Heimat einzufallen und Unruhe zu stiften.
Wir folgen also dieser Figur, die sich zurück in ihrem Elternhaus eine Auszeit von ihrem Bohème-Leben in der Grossstadt gönnt. Wir beobachten eben die Situation, in der sich die Regisseurin in dem Moment selbst befindet. So wird der Film zu einer Abfolge von Momenten. «Geh zurück nach Bukarest», sagt ihr die Grossmutter. «Was wäre, wenn ich einen 19-Jährigen daten würde?», fragt sie unvermittelt ihren Bruder. Von dem Haus, das die Eltern von ihrem Geld bauen, will Ivana nichts wissen. Wohl aber von ihren Freunden, die sie aus der Metropole besuchen kommen. Gemeinsam schwanken sie fortan zwischen juvenilem Geltungsbedürfnis und ablehnender Gleichgültigkeit. Ihre Zerstreuung stösst auf Unverständnis, ihre Ungeduld und das Nichtstun befördern eine Rastlosigkeit, die schliesslich in einem halb ernst gemeinten Engagement für das vom Bürgermeister initiierte Volksfest resultiert, bei dem Ivana als erste Ehrenbürgerin in einer ulkigen Zeremonie geehrt wird. Teilweise verliert sich im Film der rote Faden und man wünscht sich ein bisschen Ruhe oder zumindest eine gemeinsame Perspektive, durch die man den Rastlosen mit mehr Empathie begegnen könnte. Doch es soll nicht sein, und hier zeigt sich sowohl eine Hürde als auch eine dokumentarische Stärke des Films. Ivana the Terrible ist eine therapeutische Nabelschau, eine schamlose Selbstinszenierung und ein enttarnendes Porträt einer Generation, die sich in der Selbstverwirklichung verliert.
Ivana the Terrible | Film | Ivana Mladenović | ROM-SRB 2019 | 86’ | Locarno Film Festival 2019
Cineasti del Presente Special Jury Prize at Locarno Film Festival 2019
Nimic
Ein Blick. Mehr nicht. Ein Blick, der das Weltgebäude zum Einstürzen bringt wie ein gesprengtes Hochhaus, das höflich geordnet und gediegen langsam vertikal in sich zusammenfällt, aber dennoch unwiderruflich zerstört ist. Ein Blick, der erst arrogant, dann leicht irre wirkt und schliesslich die ganze Dystopie einläutet.
Er, der diesen unsagbaren Blick inszeniert hat, ist niemand anderes als der griechische Kultregisseur Yorgos Lanthimos, dessen Kurzfilm Nimic heuer Weltpremiere in Locarno gefeiert hat. Gerade noch Oscars gesammelt mit The Favourite, beweist er einmal mehr, wo sein Talent liegt: in kleinen Entkernungen der Realität eines Einzelnen. Doch während deren Welt den Totaleinsturz erleidet, bleibt alles rundum unfassbar unauffällig und gleich. Lanthimos ist meisterhaft in der Inszenierung von Dystopien, die aussehen wie nichts – wie eine Normalität mit Brandlöchern. Und «nichts» bedeutet schliesslich auch der Filmtitel «Nimic» auf Rumänisch. Und wenn man Wikipedia Glauben schenken darf, dann bedeutet das Wort gleichzeitig auch «alles». Und wir sitzen wieder mittendrin in Lanthimos’ Spiel mit der Wahrheit, die brüchig, porös, undurchsichtig wird – wie die Identität des Protagonisten Matt Dillon.
Ein Motiv, das Lanthimos gerne und vielseitig nutzt: die Augen, der Blick, die Sehfähigkeit. Die erste Szene gibt den Blick frei auf eine samtene Augenmaske über den Augen einer schlafenden Frau. Ihr Blick auf die Katastrophe, dass eine Fremde aus der Metro die Rolle ihres Mannes übernimmt, bleibt bis zum Ende getrübt. Sie sieht und fühlt den Rollentausch nicht. Auf die Augenbinde folgt bald der entscheidende Blick in der Metro, wenn der Ehemann eine Fremde (Daphné Patakia) nach der Zeit fragt. Sie ist es, die ihn fortan mit glasigen Augen im Familienleben und auf der Bühne als Cellisten ersetzt. Und niemand sieht es ausser ihm. Parallelen zu The Lobster werden hier offensichtlich: Dort werden Singles aus dem Singlecamp die Augen ausgestochen, wenn sie sich verlieben. Blindheit – fremd und selbst zugefügte – fungiert in diesem Film als einzige Möglichkeit zum Ausbruch aus der Dystopie. Die Fähigkeit, zu sehen, macht bei Lanthimos noch lange nicht sehend – und das ist ein Faktor, der die Entfaltung seiner Dystopien überhaupt erst ermöglicht.
Dass der Regisseur oft die Fish-Eye-Kamera einsetzt, ist umso spannender: Generiert sie doch Bilder, die am Rande unscharf werden, ausfransen und aufquellen. Auch bedient er diese Kamera hektisch und mit taumelnden Schlenkern. Mit der Musik verfährt er ähnlich – sie sorgt für (ver)störende Dramatik in Momenten der vermeintlichen Intaktheit.
Nimic | Film | Yorgos Lanthimos | DE-UK-USA 2019 | 12’ | Locarno Film Festival 2019
