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Le temps des forêts
UN ÉTAT D’INQUIÉTUDE CITOYENNE
Un geste marquant du documentaire de création depuis des mois, quelques années : le mouvement vers la conscience écologique et le développement durable. Voir Dans le lit du Rhône de Mélanie Pitteloud, Nul homme n’est une île de Dominique Marchais, Les dépossédés de Mathieu Roy et sur un mode plus méditatif Becoming Animal de Emma Davie et Peter Mettler, ces récits spectaculaires, ces films à part entière, qui stimulent un état général d’inquiétude citoyenne, de veille militante.
DÉCRYPTAGE DE FORÊTS
Exemplaire démarche citoyenne que celle engagée par François Xavier Drouet, dont Le temps des forêts est le deuxième long métrage, et qui a signé depuis 2009 une série de courts et moyens métrages, avec à la clé un master en réalisation documentaire à Lussas. Sa formation universitaire en sciences sociales et anthropologie est sans aucun doute utile pour embrasser le domaine complexe de la sylviculture, mais elle ne corsète pas pour autant le parcours d’une pensée faite de curiosité disponible, qui est vertu à l’endroit de paysages considérables, consternants pour beaucoup, rassérénants pour quelques autres. Il s’agit de territoires dans le Limousin, et de leur stratégie de colonisation par des plantations mono-essence – le douglas, une espèce de la famille des Pinaceae venue de la côte ouest d’Amérique du Nord, est roi : croissance rapide, rendement optimum !
Des terres exploitées extensivement pour une rentabilité extrême, selon les stratégies de la finance néolibérale, alors même que cette économie est reconnue comme radicalement incompatible avec la réalité plurielle de la forêt. Et lorsque l’on tend l’oreille dans ces paysages d’arbres alignés au cordeau, nul chant d’oiseau n’y est à entendre — l’humus est asthénique, pas un lombric à dévorer ! Dès lors, dans le massif du Morvan en Bourgogne, dans les Landes de Gascogne, dans la forêt des Vosges, François Xavier Drouet s’ingénie à détailler un état des lieux à travers un récit construit en crescendo. Son talent consiste à complexifier progressivement les termes d’une réflexion qui se révèle urgente. Avec ses personnages, du propriétaire aux accents de chef d’armée à la militante d’un groupement défendant une forêt diversifiée, et à force de paysages saisis dans l’ampleur de leur dévastation, voire de leur beauté, un réseau de connexions est mis en lumière, qui donne la mesure d’une guerre économique déclarée au plan national comme mondial. Nul misérabilisme ne marque pour autant la vision du réalisateur, qui pose parfois des questions — il est bien présent sur le terrain ! — sans jamais imposer un commentaire. Intelligence lucide et désabusée pour ce film destiné à tout citoyen dont la vie quotidienne est meublée à son insu de bois à l’existence meurtrie, mais aussi occupée par des promenades méditatives et ludiques.
Jean Perret
Le temps des forêts | Film | François Xavier Drouet | FR 2018 | 103’ | Locarno Festival 2018
Prix SRG SSR Semaine de la critique at Locarno Festival 2018
Screenings at C.C.D. Genève and Zinéma Lausanne
Was uns nicht umbringt
In Götzendämmerung formulierte Nietzsche das Ganze ichbezogener: «Was mich nicht umbringt, macht mich stärker.» Sandra Nettelbecks Filmtitel Was uns nicht umbringt spielt auf diesen Sinnspruch an, streicht aber hervor, worauf sie das Augenmerk richtet: Das zwischenmenschliche Wir und die Liebe sind es bei ihr, die einen am Leben halten. Mit diesem Titel nahm das Projekt seinen Anfang. In der mit teuren Designmöbeln ausgestatteten Praxis des hundeblickigen und ruhigen Psychotherapeuten Max (August Zirner), die Figur stammt aus Nettelbecks erfolgreichem Film Bella Martha (2001), laufen die vielen Geschichten über Trauer, Trennung und Liebe zusammen. Da ist seine Ex-Frau Loretta, die ständig mit der älteren Tochter Auseinandersetzungen hat und sich nicht für ihren neuen Liebhaber entscheiden kann, da ist der stille Herr, der sich neben Max’ Hund legt und nicht nach Hause will, da ist die interessante, spielsüchtige Sophie, die meint, Liebe könne man sich nicht aussuchen, da ist ein Bestatter, der seinen Beruf nicht mehr aushält, und da ist ein Pilot, der unter Flugangst leidet, seit sein Partner im Sterben liegt. Und da ist eben auch Max, mitten im Zentrum, um den sich niemand kümmert ausser ein fremder Passant, der ans Autofenster klopft.
Der tragikomödische Film mit Hang zu etwas kitschiger Stimmungsmusik handelt von einer, man könnte vielleicht sagen «Trauerdämmerung», also dem Zustand, den man erreichen muss, um nach einem Trauerfall oder einer Trennung wieder lachen oder vielleicht auch nur gerne an die frische Luft gehen zu können. Klingt alles wahnsinnig traurig, ist es aber nicht nur. Der Film, ausgestattet mit einem kraftvollen, authentischen und überzeugenden Cast, spielt nämlich mit dem Element des Überlappens: So wuchern komische und tragische Elemente ineinander, vermischen sich Fantasie- und Realitätsvorstellungen der Figuren und dissoziieren sich Ton und Bildebene in kurzen, frakturierten Momenten. Das Stilmittel ist erfrischend und erzeugt kurze Momente, die einen aus der üblichen Handlung hinauskatapultieren. Momente, die sich anfühlen müssen, wie wenn man meint, dass der kürzlich Verstorbene ja wieder zu Hause am Kochen ist.
(Katja Zellweger)
Was uns nicht umbringt | Film | Sandra Nettelbeck | DE 2018 | 129’ | Locarno Festival 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
#FEMALE PLEASURE
«Was denken Sie über weibliche Lust und gleichgeschlechtliche Liebe?» – «Wir sind nicht in der Stimmung darüber nachzudenken». So verweigert der ältere hinduistische Priester jegliche weitere Diskussion. Eigentlich ist es lustig, wie er sich herauszuwinden versucht im Film #FEMALE PLEASURE, der erstmals zu sehen war in der Dokumentarfilm-Sektion von Locarno. Gleichzeitig ist es ein Armutszeugnis und steht für das Problem, dem sich die Schweizer Filmemacherin Barbara Miller (Forbidden Voices, 2012; Klitoris, 2005) angenommen hat: Weibliche Lust und deren weltweite Dämonisierung – insbesondere durch patriachalisch geprägte Weltreligionen.
Miller porträtiert, in einer didaktischen und traditionellen Struktur, fünf gestandene Frauen. Der Film lebt von diesen Protagonistinnen, die aus strenggläubigen Familien je einer Weltreligion stammen und damit gebrochen haben. (Scham-)Haarsträubend, welche Unterdrückungsmechanismen sich im Namen weiblicher Reinheit und Reproduktionslogik herausgebildet haben: So wird in der jüdischen Hochzeitsvorbereitung die Vagina als «schöner Flur für neues Leben» bezeichnet. Im katholischen Kloster erhielten Nonnen übergrosse Unterkleider mit dem Kommentar «Das tragen wir für unsere Mitbrüder» – zu Vergewaltigung kam es dennoch. Oder man erfährt von der Verhaftung der buddhistisch-schintoistischen Japanerin Rokudenashiko wegen einem 3D-Print ihrer Vagina. Penisparaden oder Porno zum Thema Kindervergewaltigungen sind in Japan aber erlaubt. Der somalisch-englischen Therapeutin Leyla Hussein folgt man bei ihrer weltweiten und geschlechterübergreifenden Aufklärungsarbeit zum Thema Genitalverstümmelung.
#FEMALE PLEASURE von Miller ist ein Film voller luzider, inspirierender Aussagen. Eine der wertvollsten Botschaften: Zur Entdämonisierung der weiblichen Lust braucht es die Zusammenarbeit mit den Männern. Was leider thematisch nach dem Filmanfang auf der Strecke bleibt, ist die Rolle der, wenn man so will, Religion der Gegenwart, dem Kapitalismus. Denn dieser produziert tagtäglich eine unglaubliche Bilderflut von Frauenkörpern, die wiederum zum Lustobjekt reduziert werden. (Locarno Critics Academy 2018, Katja Zellweger)
#FEMALE PLEASURE | Film | Barbara Miller | CH-DE 2018 | 97‘ | Locarno Festival 2018, Semaine de la critique
Prix Zonta Club Locarno at Locarno Festival 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Room with a Coconut View
An automatic and computerised voice, Kanya, receives and guides a tourist, Alex, in a Thailand resort in Bangsaen. It is a way of exploring the specificity of the location through a journey that is immediately much more than a touristic survey. Within a paradigmatic temple for modern vacations, we discover the history and the politics that hide behind the kitsch patina of standardised holidays. A story of corruption and unlawfulness is interestingly intertwined with the story of Thai cinema, and Seanjaroen uses this to introduce an interrogation on the function of film representation.
Alex is actually an automatic and computerised voice himself, and he starts to explore the place alone, going beyond Kanya’s limits, beyond Kanya’s algorithm. The discourse of Room with a Coconut View is no longer a linear one: Seanjaroen’s socio-political criticism intensifies and the animated images of the film switch from the status of a filmic collage to a more complex form of aesthetic self-reflection, where the postcard-like images of tourism are linked to the images that are programmed and digitally elaborated.
With a second dramaturgic shift that relies upon the concepts of disturbance and breakdown – of the image, of the voice, of the story – the socio-political criticism evolves into an existential reflection. The liberating force of the digital connections overcomes the regressive power of digital programming, introducing the motive of the sub-conscious and thus the consciousness of the machine. After having shown the aesthetic panorama of a fully digitised anthropology, Seanjaroen finally conducts a sort of re-humanisation of said digitised anthropology by way of the machine itself.
Room with a Coconut View is a rich, complex, formally interesting essay where the documentary aspect is perfectly combined with a science-fictional reflection on the destiny of our vision and experience through the moving images, both within and beyond the machine. (GDS)
Room with a Coconut View | Short | Tulapop Seanjaroen | THA 2018 | 29’ | Locarno Festival 2018, Signs of Life | Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Promotional Award at Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Screenings at Internationale Kurzfilmtage Winterthur 2018
Where Are You, João Gilberto?
Rio de Janeiro est pour Georges Gachot le point de départ d’une detective story qui se fera également road movie, à la recherche d’une rencontre avec João Gilberto, le fondateur de la bossa nova apparemment retiré de la scène publique depuis son concert à Tokyo en 2003. Le film se complique avec la découverte d’un ouvrage du journaliste allemand Marc Fischer, qui a parcouru le même chemin que celui auquel aspire Gachot et s’est ôté la vie juste après avoir publié son livre. S’ajoutent alors les genres de la transposition cinématographique, du biopic évidemment, et aussi du documentaire musical, à un film qui se plaît à jouer avec les codes du cinéma. La sensualité de Rio et les exceptionnelles rencontres avec les personnages qui entourent la vie et l’art de João Gilberto construisent un tableau délicieux et linéaire, naturellement accompagné par les chansons de la bossa nova.
Au fond, plus que la vérité sur João Gilberto, c’est le thème de l’ambiguïté — des genres, des vérités et des mystères — qui prime et caractérise positivement Where Are You, João Gilberto? Les sourires complices et amusés des protagonistes de cette quête ne font que créer une suspension entre drame et jeu, qui fait également le suspens cinématographique du film. Mais là on touche aussi à l’essence de la bossa nova, en tant que suspension et retrait : suspension des problèmes de la vie, retrait de la lourdeur de la saudade, donc recherche d’une légèreté ludique, éthérée, jusqu’à la disparition, justement. Les sujets du mythe vivent de leur absence, car ainsi ils excitent l’imagination — et l’expérience la plus remarquable de ce film est peut-être justement dans ce que l’on n’y voit pas, malgré la belle photographie de Stéphane Kuthy. Par cette expérience, alors, nous ne faisons que redécouvrir — toujours et encore — que les fantômes sont un des ingrédients fondamentaux du cinéma. (GDS)
Where Are You, João Gilberto? | Film | Georges Gachot | CH-FR-DE 2018 | 107’ | Visions du réel 2018, Locarno Festival 2018
Screenings in Swiss cinema theatres
Temporada
Si beaucoup de films racontent la perte de l’innocence, la dernière scène de Temporada nous montre une splendide Grace Passô (seule actrice professionnelle du film) retrouver enfin son innocence, redémarrer sa vie, retrouver confiance en soi-même. L’histoire que André Novais Oliveira met à l’écran avec beaucoup de finesse et d’attention aux détails est un feel-good movie sui generis : le happy end n’arrive pas comme une solution inattendue à un drame tendu, mais plutôt comme la lente guérison d’une situation dramatique sans être tragique, où Juliana se retrouve pour la première fois à donner une impulsion autonome à sa vie, en laissant derrière elle l’inertie et la lourdeur d’un passé malheureux.
Bénéficiant d’un travail de montage excellent (Gabriel Martins) et d’un humour léger et spontané simplement irrésistible, Temporada cherche les tonalités moyennes, s’attarde sur des microévénements qui pourtant déterminent l’évolution émotionnelle de la protagoniste. Le film raconte ainsi également la lente naissance de l’amitié, si rare sur les écrans de cinéma, et devient par là un récit pluriel, avec ses personnages et ses histoires parallèles.
Oliveira ne décrit pas le Brésil des misérables, de la violence, ou des grandes fortunes et de la bourgeoisie. Il nous fait découvrir un Brésil normal, dans la région du Minas Gerais, et une humanité solidaire qui cherche à faire face aux défaillances de l’État — nous rappelant en cela le monde à la fois spécial et normal de Neon Bull, le dernier film de Gabriel Mascaro, un cinéaste de la même génération qu’Oliveira. À la fois spécial et normal : les balades routinières de ces employés qui luttent contre les moustiques porteurs de la dengue sont accompagnées par la voix d’une clarinette solo jouant la musique de Johann Sebastian Bach ou Niccolò Paganini… (GDS)
Temporada – Long Way Home | Film | André Novais Oliveira | BRA 2018 | 113’ | Locarno Festival 2018, Cineasti del presente
Dead Horse Nebula
One ultimate virtue of a work of art is the measure by which it does not make everything explicit. In this respect, Tarik Aktas’ Dead Horse Nebula is a paradigmatic example, as the story of its main character, Hay, is neither informative nor conclusive. Hay’s improbable “adventures” are mainly immersed in a colourless daily life, but this line of narrative constitutes only a sort of pretext for a lateral storytelling that appears to be more relevant. The death of a horse, and the story of the removal of its corpse; the killing of a sheep; the cutting of a tree, and the telling of its destiny, from the forest to a construction site: all these seemingly accidental events –things that appear to just happen, beyond any deliberate agency – constitute for us a parallel line of thought, that focuses on the theme of the violence of men towards nature.
The long contemplative shots give a transcendental touch to this parallel line of thought, which therefore becomes a properly filmic line of thought. Aktas’ cinematic language is able to create a new atmosphere of interrogation and astonishment, where several elements slowly emerge to anchor our reflection to an iconic ground: more precisely, machines and ropes are the intermediaries between man and nature, showing both the strength and fragility of our bold confrontation with nature. Nature can take its revenge on us: like an invisible constellation of events that has originated with the hybris of a child profaning the dead body of a horse out of curiosity, the “dead horse nebula” will finally appear under the sinister shape of a whistling owl to take its revenge…
Even if Dead Horse Nebula seems to be ungenerous with its spectator, it is a film that still works in our mind and imagination after the screening. The force of cinema is apparent (also) when what we see can be encapsulated neither in a sentence or a concept, nor in an accomplished story. Dead Horse Nebula builds a new territory that only cinema can offer. (GDS)
Dead Horse Nebula | Film | Tarik Aktas | TR 2018 | 73’ | Locarno Festival 2018, Cineasti del presente
Prize for the Best Emerging Director at Locarno Festival 2018
L'Apollon de Gaza
Avec L'Apollon de Gaza, le cinéaste genevois Nicolas Wadimoff propose un documentaire des plus étonnants. En octobre 2003, au bord d'une plage de Gaza, un pêcheur tombe sur une statue d'Apollon haute d'un mètre quatre-vingts. Cette apparition, déjà mystérieuse en elle-même, va donner lieu à toutes sortes d'interrogations. D'où vient-elle? Est-elle restée enfouie dans la mer depuis des millénaires? A-t-elle été déposée là par des bédouins venus d'Egypte?
Sans apporter de réponse définitive, le film prend soin au contraire de multiplier les points de vues, en les présentant de manière à surprendre le spectateur, un discours venant en contredire un autre. Les différents témoignages – un imam, des historiens, des conservateurs d'art, des habitants – soutiennent des intérêts contradictoires, culturels et historiques pour les uns, pécuniaires pour les autres. Sauf que la situation géopolitique de la bande de Gaza, le manque d'argent à investir dans la restauration de la statue, l'embargo français vont, temporairement du moins, mettre fin à toutes ces projections. Apollon disparaît soudainement, sans laisser de traces. S'agit-il d'un complot du gouvernement? Des militaires? D'une famille ? On ne saura jamais.
A travers L'Apollon de Gaza, c'est aussi le présent de Gaza qui s'offre au spectateur, grâce aux images saisies sur le vif, de la ville, de son délassement, de ses habitants… D'autres plans, plus travaillés, dévoile la beauté du lieu, de la mer, de ses voiliers ou des monuments historiques. La statue ne sera jamais filmée directement, mais seulement par la médiation de photographies numériques, de discours à son propos ou par une voix fantasmée du Dieu de la beauté. Créant un discours mythologique, où le vrai se distingue difficilement du faux, Nicolas Wadimoff semble dès lors saisir cet événement comme l'occasion d’inventer une nouvelle histoire, de même qu'un nouveau passé à la ville de Gaza, détruite par la guerre. (Locarno Critics Academy 2018, Sabrina Schwob)
L'Apollon de Gaza | Film | Nicolas Wadimoff | CH-CAN 2018 | 78’ | Locarno Festival 2018, Semaine de la critique
Slava - Glory
La gloire, selon la réalisatrice bulgare, est un jeu des apparences, un effet nominal englouti dans une machine bureaucratique sans valeurs, ou plutôt déterminée par des contre-valeurs. L’intégrité naïve du héros de Slava, Tsanko Petrov, qui dénonce par devoir civique la fraude et la corruption au sein de l’entreprise étatique des transports ferroviaires, est exploitée cyniquement par l’État lui-même pour mettre en scène sa réputation de probité et couvrir un système de corruption bien installé. Entre le pauvre employé et la cheffe de la communication du ministère des Transports, Julia Staykova, prend forme une lutte inégale, donc inévitablement vouée à l’humiliation de l’homme quelconque et au triomphe des abus de pouvoir.
Mais Slava est bien plus qu’un exercice de cynisme, car son réalisme documentaire et son attention pour les détails psychologiques des protagonistes nous permettent de considérer ce panorama sociopolitique catastrophique du point de vue de l’individu et de son humanité. En effet, ce style narratif ne fera qu’augmenter le pessimisme anthropologique qui domine le film, car le grand soin apporté au développement dramaturgique se révèle entièrement orienté vers un déterminisme sans rédemption possible. Le fait que cette histoire se déploie avec un bon tempo sur une ligne toute droite constitue donc la force émotive du film, lequel pour la même raison s’avère parfois un peu prévisible. (GDS)
Slava – Glory | Film | Kristina Gozaeva, Petar Valchanov | BG-GR 2016 | 101’ | Festival del film Locarno 2016
Screenings in Swiss cinema theatres
Gotthard - One Life, One Soul
«I’ve been waiting all my life for the sun to make it mine…»: Mit diesen Worten beginnt der legendäre Song «One Life, One Soul» der Gruppe Gotthard. Der Songtitel wiederum gibt nun der Dokumentation von Kevin Merz, die am letzten Locarno Festival auf der Piazza Grande Premiere hatte, den Namen Gotthard – One Life, One Soul. Diese Geste könnte nicht besser für Merz’ Intention und das Lebensmotto von Leo Leoni, dem Mitbegründer und Gitarristen, sprechen. Gotthard gehört wohl zu den erfolgreichsten Hardrock-Bands der Schweiz der 1990er-Jahre. Unter den Fingern von Chris von Rohr gelangt die Band damals auch zu ansehnlichem internationalem Erfolg, nicht zuletzt auch durch die unverkennbare Stimme des Frontsängers und Mitbegründers Steve Lee, der 2010 unerwartet bei einem Motorradunfall sein Leben liess.
Kevin Merz ist jedoch nicht an einer verherrlichenden Erfolgsstory oder dem tragischen Nacherzählen des Verlustes eine Bandmitgliedes interessiert, vielmehr gilt sein Augenmerk dem Schwerpunkt «one life, one soul» – ein Leben, eine Seele. Ähnlich wie in Peter Schlemihls wundersamer Geschichte, die danach fragt, wem gegenüber und wofür man bereit ist, seinen Schatten zu verkaufen ... Dem Film gelingt es, der fragilen Linie der Bandgeschichte mit Hochs und Tiefs nachzuspüren, und er scheut dabei nicht davor zurück, auch Brüche und Unstimmigkeiten zu zeigen. Durch eine geschickte Montage werden Archivmaterial, Aufnahmen von Livekonzerten und Interviews mit den Bandmitgliedern zu einem kohärenten Ganzen geschnitten. Es bildet sich eben dieser rote Faden heraus, dass – wie Leo Leoni es wörtlich ausdrückt – Erfolg nicht gleich Geld ist. Das könnte zu einfach, ja zu banal wirken, wäre da nicht der charismatische Gitarrist Leo Leoni, dem man diese Haltung gerne abnimmt. Am Ende des Films bleibt er als unverfälschbarer, gradliniger Gitarrist im Fokus, der mit Passion für seine Überzeugung einsteht. Kevin Merz überlässt es der/dem Zuschauer*in, ob man sich dann doch lieber einer trauernden Fangemeinde zugehörig fühlen möchte oder proaktiv nach vorne schaut, auch wenn die Gruppe Gotthard nicht mehr ganz dem Zeitgeist entspricht ... Was vom Film – und von der Band – zurückbleibt, ist diese unbeugsame Kraft und Energie, ein selbstbestimmtes Leben zu führen, von der man sich doch gerne beflügeln lässt. (RB)
Gotthard – One Life, One Soul | Film | Kevin Merz | CH 2017 | 95’ | Locarno Festival 2017
Screenings in Swiss cinema theatres
Choisir à vingt ans
La Guerra di Algeria, prima, durante e immediatamente dopo. Ma è indirettamente che Villi Hermann ci racconta la follia fratricida di questa guerra, andando a scegliere le persone come lui, come lui a Parigi in quegli anni, persone che hanno scelto la diserzione, trovando tutti riparo in Svizzera, ma quasi tutti confrontati infine alla prigionia. Con il suo approccio personale, quasi intimo, Hermann racconta un pezzo di storia svizzera e semplicemente la storia di persone comuni e del loro gesto di resistenza civica, fino all’esperienza volontaria in Algeria nell’immediato dopoguerra, a cui Hermann in persona ha partecipato.
Uno degli aspetti più intriganti di questo film è il suo montaggio – firmato da Jean Reusser – che compone con intelligenza e senza semplificazioni un mosaico complesso alla cui fisionomia ultima ci avviciniamo lentamente, attraverso un discorso cinematografico di pura polifonia. (GDS)
Choisir à vingt ans | Film | Villi Hermann | CH-ALG 2017 | 100’ | Locarno Festival 2017 | Solothurner Filmtage 2018
Screenings at Solothurner Filmtage 2018
